EL EDÉN SIDERAL

Los 101 Mejores Temas de Eurovision (VII)

2012-01-31T17:17:00.009-06:00

POSICIÓN NÚMERO 61

Canción: Le Papa Pingouin (El Papá Pingüino)
Intérprete: Sophie y Magaly
País: Luxemburgo
Año: 1980
Lugar obtenido: 9º Lugar

Curiosidades: El XXV Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 19 de abril de 1980 en La Haya, Países Bajos. Johnny Logan se proclamaría vencedor con el tema "What's Another Year?". Sophie & Magaly fue un grupo formado por dos hermanas gemelas francesas: Sophie y Magaly Gilles. Con música del prolífico dúo alemán Ralph Siegel y Bernd Meinunger, una combinación de productores y letristas, la canción “Le Papa Pingouin” trata sobre la vida de fantasía de un pingüino aburrido. Las cantantes describen su deseo de volar como una gaviota y viajar por el mundo, recorriendo lugares que visita en su imaginación. El tema termina cuando el papá pingüino se da cuenta de que la vida “en el témpano de hielo” no es tan mala como había pensado, por lo que “quema su maleta” que significaba su deseo de viajar. La canción fue interpretada en el cuarto lugar de la noche, recibiendo 56 puntos, ocupando al final la novena posición de un total de 19. Sin embargo, se convirtió en un suceso comercial en Francia, donde se vendieron un millón de copias del sencillo, por lo que grabaron también una versión en alemán de la canción. Cuando Sophie & Magaly firmaron con Ralph Siegel del sello discográfico Ariola, aún eran menores de edad y sus padres no eran conscientes de algunas de las "prácticas" en el negocio del espectáculo. Se firmó un contrato entre Ralph Siegel y los padres, dando a las hermanas sólo un muy pequeño porcentaje de las ventas. Su segundo sencillo, “Arlequin”, vendió poco y Ralph Siegel rompió su contrato con ellas. Pero el productor Charles Talar les dio una segunda oportunidad y realizaron cinco sencillos más (entre 1980 y 1981). Lamentablemente sus siguientes sencillos fueron igualmente infructuosos y el grupo se disolvió. En abril de 1982, las gemelas aparecieron en el programa de televisión francés Droit de Réponse (TF1) y comunicaron públicamente que recibieron sólo 5000 euros cada una, cuando en realidad se vendieron más de un millón de singles. También indicaron que Ralph Siegel decidió no trabajar más con ellas y rescindir su contrato. En 2003, uno de los letristas franceses, Jean-Paul Cara, confirmó que el productor alemán nunca tuvo la intención de hacer de Sophie & Magaly un grupo exitoso. Sólo necesitaba cantantes gemelas para esta canción en particular. A finales de los 80’s, Magaly contrajo el VIH y murió de SIDA en abril de 1996. Sophie padeció alto síndrome depresivo y ahora vive alejada en el sur de Francia. Un remake de esta canción, interpretada por Pigloo (un personaje de animación -un pingüino bebé- creado para el público infantil con discos musicales), se convirtió en un enorme éxito en Francia en 2006, alcanzando el número 1 de las listas durante tres semanas. El single debutó directamente en el número 3 y permaneció en la lista de 27 semanas de 4 de marzo al 02 de septiembre de 2006, convirtiéndose en el quinto sencillo más vendido en Francia ese año. La canción también fue incluida en Suiza Singles Chart, donde alcanzó el # 24 y permaneció 15 semanas. Una versión alemana entró en las listas locales en febrero de 2007.

POSICIÓN NÚMERO 62

Canción: Gente di Mare (Gente del Mar)
Intérprete: Umberto Tozzi & Raf
País: Italia
Año: 1987
Lugar obtenido: 3er. Lugar

Curiosidades: El XXXII Festival de la Canción de Eurovisión fue celebrado el 9 de mayo en el Palacio del Centenario de Bruselas, Bélgica. Johnny Logan volvería a resultar vencedor (tras su participación en 1980) con el tema "Hold Me Now"... Umberto Tozzi (1952), considerado una de las grandes voces románticas de su país, ha creado discos importantes en la historia de la música italiana. En 1977 logra su primer gran éxito con la canción “Ti amo”, a la que siguen “Tú” (1978) y “Gloria” (1979), ésta última le llevó a sonar en todo el planeta. "Gloria" fue cantada en versión española por el grupo infantil Parchís, y en la versión inglesa sucesivamente por Laura Branigan, alcanzando el primer lugar en ventas de los Estados Unidos y Canadá en 1982. En los ochenta también se le conoce su acento castellano, gracias a que canta a "Te amo", canción de "Ti amo" traducida, gracias a esto en España se hace conocer como un gran cantante del pop-rock italiano. En 1987, junto con el joven cantante Raf (Raffaele Riefoli, 1959), representó a Italia en el Festival de la Canción de Eurovisión, en Bruselas, con la canción "Gente di Mare", con la que obtuvo el tercer puesto y se convierte en un hit en toda Europa. Raf había compuesto el tema francés "Self Control" en 1984, una balada dance que le lleva al primer puesto de la clasificación mundial, Estados Unidos incluido, donde la versión de Laura Branigan llega al n°1 del hit parade de Billboard. En 1987 escribe para el trío Morandi-Ruggeri-Tozzi "Si Puo' dare di Piu'", la canción con que gana el Festival de San Remo de ese año. En 1988, 1989 y 1991 el propio Raf compite en San Remo, quedando siempre entre los diez primeros lugares. Tanto Tozzi como Raf siguen en activo, grabando nuevos discos y actuando con regularidad por toda Europa. Umberto Tozzi ha vendido más de 85 millones de discos a lo largo de su carrera musical.

POSICIÓN NÚMERO 63

Canción: Gwendolyne
Intérprete: Julio Iglesias
País: España
Año: 1970
Lugar obtenido: 4to. Lugar

Curiosidades: El XV Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 21 de marzo de 1970 en Ámsterdam. La canción vencedora fue la balada azucarada "All Kinds of Everything", de Dana Scallon, representando a Irlanda. Debido al empate entre cuatro países producido el año anterior, se sorteó entre los cuatro el país que se encargaría de organizar el evento en 1970. Finlandia, Noruega, Portugal y Suecia decidieron boicotear el festival para demostrar su descontento con el modo de votar. Para impedir un incidente como el ocurrido en 1969, se creó un reglamento especial por el cual se establecía que si existiese un empate entre dos canciones, éstas se volverían a repetir y los jurados harían de nuevo una votación a mano alzada entre ellas dos. En caso de que persistiese el empate, ambas seguirían siendo las ganadoras. Debido a la baja cantidad de participantes, para completar el tiempo de trasmisiones se incorporó un videoclip breve antes de cada canción, mostrando al cantante y algunos lugares del país que representaba. Esto gustó tanto que hasta el día de hoy esta característica es utilizada, con algunas variaciones...

El madrileño Julio Iglesias (Julio José Iglesias de la Cueva, 1943) es el cantante latino con más éxito comercial de todos los tiempos, asimismo a nivel internacional es uno de los cantantes con mayor éxito y penetración cultural en toda la historia de la música. De acuerdo a Sony Music es uno de los diez mayores vendedores de discos en la historia, habiendo vendido 350 millones de álbumes en todo el mundo hasta la fecha. En su juventud fichó como portero por el Juvenil B del Real Madrid Club de Fútbol, uno de los equipos filiales en categorías inferiores del Real Madrid. Alternaba el fútbol con sus estudios en el Colegio Mayor Universitario San Pablo en Madrid, cursando la licenciatura de Derecho, con el objetivo de formar parte del cuerpo diplomático español. A sus 20 años sólo le quedaba una asignatura para acabar la carrera, cuando tuvo un grave accidente de tráfico. A raíz del mismo, quedó semiparalítico y sin poder caminar durante un año y medio, lo que le apartó definitivamente de los terrenos de juego. Sus posibilidades de andar dependían de una constante terapia y ejercicios. Eladio Magdaleno, un joven enfermero que cuidó de él en el hospital, fue la persona que por primera vez le regaló una guitarra, como terapia para que ejercitara sus dedos y pasara el tiempo. A partir de ese momento, Julio pronto descubrió una nueva pasión que cambió totalmente su vida. Rasgueando la vieja guitarra comenzó a acompañar sus poemas con música y los poemas pasaron a ser canciones y las primeras sonatas el preámbulo de una carrera llena de éxitos. Una vez recuperado, reanudó sus estudios y viajó a Londres para aprender inglés, primero en Ramsgate y luego en el Bell's Language School en Cambridge. Algunos fines de semana cantaba en un pub, el "Air Port Pub", canciones que eran populares por entonces - Tom Jones, Engelbert Humperdinck, The Beatles. Y fue allí, en Cambridge, donde conoció a Gwendolyne Bollore quien sería su novia y quien le inspiró una de sus canciones más famosas: Gwendolyne. Julio decide ir a una casa de música para ofrecer uno de sus temas para que lo interpretara algún cantante de la firma. Entonces, el gerente, tras escuchar la grabación realizada en un sencillo magnetófono por Julio con la sola ayuda de su guitarra, le pregunta: "¿Y por qué no la cantas tú?". Y Julio respondió: "Porque yo no soy cantante". Al final lo convencieron y se presentó al entonces famoso Festival Internacional de la Canción de Benidorm. El 17 de julio de 1968 se proclama vencedor de este certamen con su canción “La vida sigue igual”, que compuso durante la convalecencia. Este primer éxito le hizo firmar un contrato con Discos Columbia, la sección latina de Columbia Records. Entonces grabó su primer sencillo, con su primera célebre canción, que fue ganadora de premios y rápidamente pasó a ocupar el número uno en las listas españolas. En 1969 graba su primer disco Yo Canto, y hace su primera gira en España, además protagoniza su primera película, un film autobiográfico que lleva por título el nombre de su primer éxito musical, La Vida Sigue Igual (Eugenio Martín). Con su canción "Gwendolyne" en 1970, Julio Iglesias gana el Festival de la Canción de Barcelona en el Palacio de las Naciones en Montjuic y el derecho a representar a Televisión Española participando en el Festival de la canción de Eurovisión, que ese año se celebraba en Ámsterdam, logrando la cuarta plaza . Pese a no ganar, Julio Iglesias grabó "Gwendolyne" en cuatro idiomas y fue el tema más difundido del certamen por toda Europa, además ocupó el primer lugar en las listas de éxitos de España y América Latina. Se estima que durante su carrera ha actuado para 60 millones de personas en los cinco continentes y es el cantante extranjero con mayores ventas en Brasil (17 millones) en el año 2001 y en Francia (9 millones) en el año 2005. En España, su país natal, es el mayor vendedor de discos, con 23 millones logrados hasta el año 2000. En 1971 se casa con Isabel Preysler con quien tiene tres hijos: el también exitoso cantante Enrique Iglesias, el cantante y modelo Julio Iglesias, Jr. y Chábeli Iglesias. Esta relación duró poco, pues en 1978, después de muchos rumores, se divorcian. En 1995 Julio se casa con Miranda Johanna Maria Rijnsburger, una modelo holandesa, con la cual ha procreado a 5 hijos. De acuerdo al libro "Riquísimos", del periodista Jesús Salgado, Julio Iglesias es la novena fortuna de España, con un patrimonio estimado en $5.200 millones (cinco mil doscientos millones) de dólares al año 2009.

POSICIÓN NÚMERO 64

Canción: Why Me? (¿Por qué yo?)
Intérprete: Linda Martin
País: Irlanda
Año: 1992
Lugar obtenido: 1er. Lugar

Curiosidades: El XXXVII Festival de la Canción de Eurovisión se celebró el 9 de mayo de 1992 en Malmö, Suecia, Linda Martin fue la vencedora "Why Me?", compuesta por Johnny Logan que previamente había ganado el festival en sus ediciones de 1980 y 1987. El escenario estaba inspirado en la historia de Malmö, donde se aprecia la proa de un barco vikingo y al fondo se ve un decorado iluminado de un puente, referente al puente que comunica Suecia con Dinamarca. Linda Martin (1953) es una cantante y presentadora de televisión irlandesa. Empezó su carrera musical en el grupo "Chips" en Belfast en 1969. Ha participado en el National Song Contest (selección del representante de Irlanda en Eurovisión) cuatro veces como miembro de "Chips", con el que no consiguió clasificarse. Ha participado cuatro veces más en solitario y una como parte del grupo "Linda Martin and Friends". Con nueve participaciones, ella tiene el récord de participaciones en toda la historia del National Song Contest. Lo ganó y representó a Irlanda en Eurovisión dos veces. En el Festival de Eurovisión 1984 celebrado el 5 de mayo en Luxemburgo, participó con la canción "Terminal 3" (Texto/Música de Johnny Logan -Seán Sherrard-) y quedó en segunda posición por detrás de los suecos Herreys. Volvió en el Festival de 1992 celebrado el 9 de mayo en Malmö, Suecia con la canción "Why Me?" (Letra/Música de Johnny Logan) ganando el concurso. Linda fue la cuarta ganadora del concurso por Irlanda y se editaron sellos con su rostro. La canción es una balada que va creciendo en intensidad hacia el final. En la letra, la cantante describe sus pensamientos sobre su amante y se pregunta el porqué de que ella sea la afortunada de tener su amor, y no otra persona. Como presentadora, su trabajo más popular ha sido el concurso de preguntas de la televisión irlandesa RTÉ The Lyrics Board muy popular en su país. También ha sido jurado de la primera, segunda y cuarta temporada del concurso de RTÉ You're A Star. Fue una de las actuaciones invitadas en el Congratulations el 50 Aniversario del Festival de Eurovisión que se celebró en Copenhague, Dinamarca, en octubre de 2005.

POSICIÓN NÚMERO 65

Canción: Algo Pequeñito
Intérprete: Daniel Digges
País: España
Año: 2010
Lugar obtenido: 15to. Lugar

Curiosidades: El actor y cantante madrileño Daniel Diges (nacido el 17 de enero de 1981) se dio a conocer interpretando a “David, Gato”, en la serie juvenil de Antena 3 Nada es para Siempre (1999-2000). Desde entonces ha aparecido en conocidas series de pantalla chica española como Ana y los Siete, Hospital Central o Aquí no hay quien viva, así como en el programa Max Clan (2003-2004). En 2005 pasó a la serie Agitación + IVA y más tarde al teatro en donde ha actuado en las obras musicales “En tu Fiesta me Colé” (2006), “Hoy no me puedo levantar” (2007), “We Will Rock You” (2007), “High School Musical” (2008), “Mamma Mia!” (2009-2010) y “Los Miserables” (2010-2011). “Algo Pequeñito" fue compuesta por Jesús Cañadilla y producida y arreglada por Alejandro de Pinedo, es un vals in crescendo con una letra que habla sobre la importancia de los pequeños detalles en las relaciones de pareja. Una vez compuesto el tema, Cañadilla se puso en contacto con varios cantantes sin tener suerte, hasta que dio con Daniel Diges a través de un amigo. Daniel, en ese entonces, se encontraba de gira por Tenerife con “Mamma Mia!”. En enero de 2010 Daniel voló a Madrid para grabar la canción. Terminó quinto en la preselección de artistas a través del sitio web de RTVE, y en principio no partía como favorito para la victoria. Sin embargo, "Algo Pequeñito" fue la primera elección del jurado y el público en la gala final, al obtener 118 puntos. España actuó en segundo lugar en el Festival celebrado en Oslo, pero pudo repetir su interpretación al final de todas las actuaciones después de que un espontáneo (el popularmente conocido como Jimmy Jump) se colara en el escenario durante veinte segundos en la primera puesta en escena, sin alterar la interpretación vocal del artista. Diges y sus bailarines continuaron con la canción como si nada hubiera ocurrido, hasta que entraron los guardias de seguridad a sacar al intruso. Finalmente, la Unión Europea de Radiodifusión pidió disculpas y anunció que España repetiría su actuación tras la última canción de la noche. Por ello, Diges actuó en dos ocasiones. "Algo Pequeñito" terminó en decimoquinta posición de 25 países con 68 puntos, siendo votado por 14 países. Las puntuaciones más altas fueron las de Portugal (12 puntos) y Lituania (8 puntos), mientras que la mayoría de puntuaciones procedieron de Europa del Este. En votos por separado, el tema contó con una mejor valoración del televoto (decimosegundo con 106 puntos) que del jurado (vigésimo puesto, con 43). En 2011, el tema fue versionado en francés por Anne-Marie David, ganadora del Festival de la Canción de Eurovisión 1973.

La Frase del Día... (Movie Titles)

2012-01-28T16:13:00.003-06:00

Me enamoré de un maniquí

Los 101 Mejores Temas de Eurovisión (VI)

2012-01-25T20:24:00.009-06:00

POSICIÓN NÚMERO 66

Canción: Džuli (Julie)
Intérprete: Danijel
País: Yugoslavia
Año: 1983
Lugar obtenido: 4to. Lugar

Curiosidades: Danijel (Daniel) es el nombre artístico de Milan Popović (1955), un cantante pop croata. En 1983 representó a Yugoslavia en el Festival de Eurovisión, quedando en la cuarta posición, uno de los mejores lugares ocupados por aquel país hasta entonces (Lola Novaković también había ocupado el 4to lugar en el certamen de 1962). "Džuli" fue una enorme éxito en Yugoslavia: el álbum vendió 717.166 copias, mientras que el sencillo vendió más de 80.883, un gran número, en ambos casos. El tema fue un gran hit en muchos otros países europeos. Sin embargo, como muchos otros concursantes de Eurovisión, Danijel no pudo aprovechar su triunfo y su atractivo comercial disminuyó gradualmente. Pronto desapareció en el anonimato después de unos cuantos álbumes sin éxito. Aprovechando sus ahorros, entonces abrió un estudio y comenzó a producir discos para intérpretes como Nives Celzijus (su primer y hasta ahora único álbum Cura Moderna). A principios de 2005, después de un prolongado período comercialmente estéril en Croacia, Danijel volvió a Montenegro, con la esperanza de resucitar su carrera de cantante. En el otoño de 2005, la interpretación de Danijel en Munich en 1983 fue incluida en una colección de dos DVD dobles y dos CD dobles que celebraban el 50 aniversario del Festival de Eurovisión. La colección, que abarcaba a todos los ganadores, así como algunos de los participantes no ganadores más favoritos, fue titulada Congratulations (1956-1980 and 1981-2005).

POSICIÓN NÚMERO 67

Canción: My Number One (Mi número uno)
Intérprete: Helena Paparizou
País: Grecia
Año: 2005
Lugar obtenido: 1er. Lugar

Curiosidades: El L Festival de la Canción de Eurovisión se retrasmitió desde Kiev, Ucrania, el 21 de mayo de 2005, por primera vez en la historia en formato panorámico 16:9. El Festival, que se realizó desde el Palacio de los Deportes, en el centro de Kiev, contó con un aforo de 6.000 espectadores. La anfitriona Ucrania junto con los llamados "cuatro grandes" (Big Four) (España, Reino Unido, Francia, y Alemania) cayeron a los últimos puestos de la lista. La ganadora fue la canción griega "My Number One" interpretada por la cantante Helena Paparizou (de 23 años), que consiguió 230 puntos, convirtiéndose en la primera artista griega en alcanzar dicho triunfo. Recibió un trofeo especial de la mano del presidente de la República de Ucrania, Víktor Yúshchenko. Gracias al tema ganador, Helena Paparizou es una de las artistas femeninas más consolidadas de Grecia. La canción fue elegida para la Gala especial del 50 Aniversario de Eurovisión como una de las 14 mejores de la historia. El tema, cuyos autores son los griegos Christos Dantis (música y letra) y Natalia Germanou (letra), contiene música de instrumentos griegos tradicionales como la lira. En la letra, Helena le dice a su amante que es "mi número uno" y "el único tesoro que nunca tendré" (the only treasure I'll ever have). Desde entonces no ha parado la lluvia del éxito sobre esta cantante. Con cinco álbumes de estudio, se ha convertido en una de las más consagradas artistas de la historia musical griega. Aunque todavía no ha intentado lanzarse a una internacionalización segura es conocida en muchos países del mundo, comenzando por países europeos llegando hasta países sudaméricanos y asiáticos, como Japón, donde la artista lanzó una edición especial de su primer álbum internacional The Game of Love. Llegada a España, fue invitada a la marcha del orgullo gay del 2005, el mismo año que se aprobó el matrimonio entre homosexuales en ese país. Gustosamente acepto, así que “My Number One” fue el canto escogido para identificar dicho evento. En una entrevista para Tve declaro que estaba agradecida por esa invitación ya que ella apoyaba a los homosexuales puesto que tiene muchos amigos gays y lesbianas. Desde ese año se convirtió en un icono gay en toda Europa. El 14 de julio de 2005, Helena fue recibida por el Rey Carlos XVI Gustavo cuando ella se presentó en la celebración del cumpleaños de la hija. Su visita causó controversia cuando el monarca colocó su mano en la espalda de Helena más abajo de lo socialmente aceptable, lo que fue argumentado como que «su mano resbaló» por parte de la Corte Real. El 3 de enero de 2011, se hizo público el listado de las mujeres más bellas de Grecia donde Helena aparecía, un año más, en el número uno, como mujer más bella. Helena Paparizou a lo largo de su carrera en solitario ha conseguido un número de sesenta y seis nominaciones, a distintos premios, de los cuales ha ganado veintinueve. Es una de las cantantes más valoradas y premiadas de Grecia.

POSICIÓN NÚMERO 68

Canción: Kinder dieser Welt (Niños de este mundo)
Intérprete: Gary Lux
País: Austria
Año: 1985
Lugar obtenido: 8avo. Lugar

Curiosidades: En el XXX Festival de la Canción de Eurovisión la victoria fue para el grupo noruego Bobbysocks con el tema "La det swinge". Gary Lux (nombre real: Gerhard Lux) nació el 26 de enero de 1959 en Ontario, Canadá, pero regresó a vivir a Austria con sus padres mientras era niño. Está casado con Marianne y tiene dos hijos, Benny y Dennis. Es famoso por haber representado a su país en el Festival de Eurovisión en seis ocasiones: 1983, como miembro de Westend, interpretando "Hurricane" (9º. Lugar); 1984, siendo el coro de Anita Spanner, interpretando "Einfach weg" (19º Lugar); 1985, como solista, interpretando "Kinder dieser Welt" (8º Lugar); 1987, como solista, interpretando "Nur noch Gefühl" (20º Lugar); 1993, siendo el coro de Tony Wages, interpretando "Maria Magdalena" (14º Lugar); y 1995, siendo el coro de Stella Jones, interpretando "Die Welt dreht sich verkehrt" (13º Lugar).

POSICIÓN NÚMERO 69

Canción: I Can (Yo Puedo)
Intérprete: Blue
País: Reino Unido
Año: 2011
Lugar obtenido: 11avo. Lugar

Curiosidades: El LVI Festival de la Canción de Eurovision se celebró en Düsseldorf, Alemania, después de que la representante de ese país, Lena Meyer-Landrut, obtuviera la victoria con la canción “Satellite” en la edición de 2010. Por primera vez en la historia del festival, una cadena privada no perteneciente a la UER participó en el evento como organizador luego que ProSieben colaborara en la realización del certamen y en la emisión de la primera semifinal para el territorio alemán. A pesar de no haber un claro favorito, los representantes de Reino Unido, el grupo Blue, el francés Amaury Vassili y la participante de Estonia, Getter Jaani, encabezaban las listas en las casas de apuestas, aunque, al final terminarían decepcionando al público al quedar en los lugares 11, 15 y 24, respectivamente… El grupo Blue es un conocido grupo inglés de música pop formado Lee Ryan, Duncan James, Antony Costa y Simon Webbe. Formado en el año 2000, Blue fue un fenómeno de masas durante los años 2001-2005, fecha en la que el grupo decidió separarse para centrarse en sus carreras musicales en solitario. Ya en 2009, el grupo decidió volver a los escenarios. De su paso por Eurovisión, se dice que Blue ha sido el grupo masculino más atractivo que ha pisado el Festival.

POSICIÓN NÚMERO 70

Canción: Take Me To Your Heaven (Llévame a tu Cielo)
Intérprete: Charlotte Nilsson
País: Suecia
Año: 1999
Lugar obtenido: 1er. Lugar

Curiosidades: El XLIV Festival de la Canción de Eurovisión fue organizado el 29 de mayo de 1999 en Jerusalén. Hubo cierta controversia a la hora de designar la sede del festival, ya que por la complicada situación geopolítica de Israel y la oposición de grupos de judíos ultra ortodoxos, se dijo que la edición de 1999 debería ser acogida en alguna ciudad del Reino Unido o Malta (el segundo y tercer clasificado del año anterior). Pero finalmente fue designada Jerusalén, y el Centro Internacional de Convenciones como sede del festival. También, la Unión Europea de Radiodifusión anunció que a partir de 2000, los cuatro mayores contribuyentes del certamen a nivel económico (Alemania, España, Francia y el Reino Unido) clasificarían automáticamente para las siguientes ediciones del festival, no importando su puntaje o posición en años anteriores. Creándose el grupo conocido como "Big Four"… Charlotte Nilsson (nacida en 1974) es una cantante sueca, ganadora en dos ocasiones del Melodifestivalen, en 1999 y 2008. Tras pertenecer unos años a una banda de poco éxito siguió su carrera en solitario en 1999, cuando con 24 años se presentó al Melodifestivalen 1999 con la canción "Tusen Och En Natt" (Mil y una noches). La canción fue traducida al inglés para el Festival de Eurovisión, pasando a llamarse "Take me to your heaven" , que acabó convirtiéndose en la ganadora del certamen. Este triunfo catapultó su carrera en Suecia, convirtiéndola en una de las mayores artistas del país. Pero desde su triunfo en Jerusalén, Charlotte Nilsson ha cambiado mucho, poco a poco se ha distanciado algo de la música, y al mismo tiempo se ha mezclado con el mundo de la prensa rosa, siendo portada de revistas del corazón en infinidad de ocasiones. Incluso su boda con Nicola Perrelli, quien le daría su nuevo apellido de casada, fue retransmitida por televisión. Desde entonces presentó las semifinales y la final del Melodifestivalen 2004 y ha tenido varios hijos. En 2008 ganó por segunda vez el Melodifestivalen y representó a Suecia una vez más en el Festival de la Canción de Eurovisión 2008 en Belgrado, con la canción "Hero", que fue número #1 en Suecia pero con la que no consiguió repetir el éxito de 1999 en Eurovisión, y quedó en la decimoctava posición... La nota curiosa de la edición de 1999, fue el momento de proclamar ganadora a Charlotte. La encargada de entregar el premio era la ganadora de la edición del año anterior Dana International. Cuando ésta cogió el trofeo, perdió el equilibrio y cayó al suelo, arrastrando a otras personas que se encontraban a su lado. Este hecho activó por un momento todas las alarmas de seguridad del recinto del festival, ya que se pensó que se había producido un atentado terrorista en directo. Finalmente Dana y los demás que cayeron al suelo, se levantaron (entre risas) como si nada hubiese ocurrido.

POSICIÓN NÚMERO 71

Canción: Tornerò (Volveré)
Intérprete: Miha Trăistariu
País: Rumania
Año: 2006
Lugar obtenido: 4to. Lugar

Curiosidades: Los presentadores de esta edición celebrada en Atenas, Grecia, fueron el popular cantante griego Sakis Rouvas –participante en las ediciones de 2004 y 2009– y la presentadora de televisión y actriz greco-estadounidense Maria Menounos… El músico y cantante Mihai Trăistariu (1979) representó a Rumanía con el tema “Tornerò”, una canción en inglés con estribillo en italiano, que finalizó cuarta con 172 puntos. Trâistariu comenzó su carrera musical a los 16 años, aunque a los 7 años ya tocaba el piano. Formo un grupo llamado Valahia, que desapareció en el año 2003. Posteriormente, en 2004 lanzó su primer single en solitario (Sha-la-la). Ha participado en muchos festivales internacionales y competiciones (un total de 6 veces), incluyendo cinco participaciones en la Selección Nacional Rumana para Eurovisión. En éstos siempre se quedó 2º y 3º siempre, hasta que en el año 2006 ganó ese concurso rumano de preselección. En Eurovisión dio un giro total a su carrera internacional siendo conocido en prácticamente todos los países de Europa. Ha editado 10 discos en Rumanía desde el comienzo de su carrera, de los cuales ha vendido 1,5 millones de copias. Además su hermano es un conocido pintor de Rumanía, llamado Vasile Traistariu. Traistariu puede alcanzar con su voz los 5 octavos y 1/3. En estos momentos, Mihai Traistariu es uno de los nominados para ganar el concurso de dance de Europa, representando a Rumanía con su canción "Your love is high". Así, de momento se encuentra en la 1ª posición, con un 40% de los votos. Y además, ha declarado que este año volverá a intentar representar a su país en Eurovision 2012.

Los 101 Mejores Temas de Eurovisión (V)

2012-01-22T10:24:00.005-06:00

POSICIÓN NÚMERO 72
Canción: Främling (Extraño)
Intérprete: Carola Häggkvist
País: Suecia
Año: 1983
Lugar obtenido: 3er. Lugar

Curiosidades: El XXVIII Festival de la Canción de Eurovisión fue celebrado el 23 de abril de 1983 en Múnich, Alemania. La victoria fue para la representante luxemburguesa Corinne Hermès con el tema "Si la vie est cadeau". En esta edición del festival se utilizaron por primera vez micrófonos inalámbricos… Carola (1966) es una de las más populares cantantes suecas. Nació en la localidad de Hägersten. Saltó a la fama gracias a su participación en el Melodifestivalen 1983 a los 16 años, con la canción “Främling” la cual resultó ganadora, logrando posteriormente el tercer lugar en el Festival de la Canción de Eurovisión de ese año. El sencillo vendió un millón de copias, récord absoluto hasta el momento en Suecia. Ganó nuevamente el certamen Melodifestivalen 1991 con la canción "Fångad av en stormvind" (Atrapada en un viento tormentoso) y en Melodifestivalen 2006 con "Evighet" (Eternidad). Más tarde en el Festival de la Canción de Eurovisión 1991 en Roma, ganaría en una competencia empatada, contra la canción de Francia. Tras empatar también a número de 12s, Carola ganó, por haber tenido más votaciones con 10 puntos (5 frente a 2), con la canción “Fångad av en Stormvind”. Después de este triunfo comenzó un período de retroceso del que se recuperó a partir de 2000. Ha sido miembro del grupo cristiano de carácter carismático Livets Ord desde los años 1980, y en 1990 se casó con el pastor evangélico Runar Soergaard de Noruega, con quien tuvo su hijo Amadeus, nacido en 1998. El matrimonio se disolvió en 2000. Su postura religiosa le ha llevado a hacer duras declaraciones en contra de los homosexuales, pero curiosamente es entre la comunidad gay donde se encuentran la mayor parte de sus fans. Incluso varios transformistas la homenajean cada año en el orgullo gay de Estocolmo. En los últimos años, Carola ha dicho estar alejada de Livets Ord, y la canción con que ganó en el Melodifestivalen 2006 "Evighet" ("Eternidad"), es un tributo a su nuevo amor, el noruego Edward John. Finalmente, obtendría el 5º puesto y 170 puntos en el Festival de la Canción de Eurovisión 2006, con la canción "Invincible" (versión en inglés de "Evighet"). Fue elegida la mejor cantante de Suecia por los teleespectadores del famoso show de la televisión sueca Folktoppen en agosto de 2006. El 14 de julio de 2007 actuó junto con Måns Zelmerlöw, en el cumpleaños de la princesa Victoria de Suecia. El 19 de junio de 2010 la princesa Victoria la invita a hacer una presentación para su boda en el Jardín Blanco donde la pareja bailó el vals.

POSICIÓN NÚMERO 73
Canción: For vår jord (Para nuestra tierra)
Intérprete: Karoline Krüger
País: Noruega
Año: 1988
Lugar obtenido: 5to Lugar

Curiosidades: La primera aparición televisiva de Karoline Krüger (1970) fue con 11 años de edad, en un programa juvenil llamado Halvsju. En 1988 participó en la preselección noruega, el Melodi Grand Prix, con la canción "For vår jord", consiguiendo ser la elegida para participar en el Festival de Eurovisión que se celebró aquel año en Dublín, y donde acabó en quinta posición. Fue el año del triunfo de la entonces desconocida Celine Dion. Ese mismo año Krüger lanzó su álbum de debut llamado Fasetter. Posteriormente contrajo matrimonio con otro cantante noruego, Sigvart Dagsland, y ha lanzado apenas seis discos: en 1988, 1991, 1993, 1996, 1999 y en el 2004.

POSICIÓN NÚMERO 74
Canción: I Wanna (Yo quiero)
Intérprete: Marie N
País: Letonia
Año: 2002
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El XLVII Festival de la Canción de Eurovisión se celebró el 25 de mayo de 2002, en el complejo Saku Surhall de Tallin, Estonia. Marie N fue la ganadora de este Festival, representando a Letonia con la canción "I Wanna", desbancando a las máximas favoritas, Afro-Dite (Suecia) y Corinna May (Alemania), que quedaron en el lugar 8 y 21, respectivamente, así como a España, representada por participantes del reality show Operación Triunfo, mismos que quedaron en la posición número 7. El pabellón y escenario de Tallín, pese a albergar a unos 5.000 espectadores, se quedaba lejos del despliegue técnico y capacidad de los dos últimos festivales, de Estocolmo y Copenhague... Marie N (Marija Naumova, 1973) es una de las cantantes letonas más populares en su país y alrededores, con canciones en letón, inglés, francés y ruso. Ganó en la última votación, a una distancia de 12 puntos de la segunda clasificada, Ira Losco por Malta. Marie no estaba entre las máximas favoritas pero sorprendió con una puesta en escena muy original que posteriormente tratarían de imitar sin éxito más delegaciones. Ella apareció con un traje de dos piezas blanco y un sombrero, el cual se lo quitó uno de sus bailarines. A medida que la canción avanzaba, los bailarines le quitaron la chaqueta, la camisa y los pantalones, revelando un vestido corto de color rosa. Al final de la canción, tiraron del dobladillo de la falda, revelando que en realidad era un vestido largo. Esta actuación visual acompañaba una canción con influencias de salsa, haciendo pleno uso de los ritmos bailables que en ese momento tenían cada vez más éxito en el festival tras la introducción del televoto. La canción fue interpretada en 23º lugar de entre 24 participantes en la final de Eurovisión celebrada en Tallin. Al término de las votaciones había recibido 176 puntos, finalizando en primer lugar.

POSICIÓN NÚMERO 75
Canción: Mana Mu (Madre Patria)
Intérprete: Hara & Andreas Konstantinou
País: Chipre
Año: 1997
Lugar obtenido: 5to Lugar

Curiosidades: En esta edición, cinco países (Alemania, Austria, Suecia, Suiza y el Reino Unido) utilizaron por primera vez el sistema del voto telefónico como una forma de contrarrestar los bajos índices de audiencia en estos países y de acercar el evento a una audiencia más joven. Los resultados del televoto, fueron en algunos casos, distintos a los entregados por el jurado profesional. Israel decidió no participar al coincidir la fecha de celebración del certamen con el Día en recuerdo del Holocausto, siendo cedida su plaza a Bosnia y Herzegovina. También fue la última vez que Italia participa en el festival hasta la edición de 2011. El escenario estaba inspirado en el nuevo mundo de las telecomunicaciones. Anna Maria Jopek, Marcos Llunas, Alla Pugacheva, o los vencedores Katrina & The Waves fueron algunos de los nombres más importantes de esta edición. Los primeros cantantes en salir a escena, fueron los representantes de Chipre, con el tema en lengua griega “Mana Mu”, posicionándose en el 5to. Lugar del Festival. Chipre hizo su debut en Eurovisión en 1981, y desde entonces solo ha dejado de participar en las ediciones de 1988 y 2001. La mejor posición que ha conseguido ha sido justamente el lugar número 5, obtenido en tres ocasiones: en 1982 con Anna Vissi, en 1997 con Hara & Andreas Constantinou, y 2004 con Lisa Andreas.

POSICIÓN NÚMERO 76
Canción: Vrede (Paz)
Intérprete: Rutt Jacott
País: Países Bajos
Año: 1993
Lugar obtenido: 6to Lugar

Curiosidades: Ruth Jacott (Paramaribo, 2 de septiembre de 1960) es una cantante holandesa, originaria de Surinam. A los nueve años emigró con su familia a los Países Bajos. A los 17 años tomó parte en un concurso de talentos, tras el que recibió ofertas de trabajo. Abandonó el coservatorio de Hilversum y comenzó su carrera con The Vips y bandas como The Skymasters, la VARA-Dans Orkest y la Metropole Orkest. En 1988, Jacott ganó el Festival Kneistival que se celebra en Knokke-Heist, Bélgica. Tras su éxito recibió ofertas para trabajar en el teatro musical. Interpretó papeles en producciones, tanto en lengua neerlandesa como en alemán, tales como Cats y A Night at the Cotton Club, haciendo giras por los Países Bajos, Bélgica, Alemania y Suiza. En 1989 Jacott recibió el premio Zilveren Harp (Arpa de Plata). En 1993 se le pidió que representase a los Países Bajos en el Festival de la Canción de Eurovisión 1993, por lo que el 25 de marzo de ese año interpretó en una preselección que se hizo en Ámsterdam seis canciones de las que fue elegida "Vrede". El Festival tuvo lugar en 15 de mayo en Millstreet, Irlanda. La canción obtuvo 92 puntos y la sexta plaza de un total de 25 participantes. Tras su paso por Eurovisión lanzó su primer álbum Ruth Jacott. Junto a Paul de Leeuw cantó a dúo "Blijf bij mij" (Quédate conmigo) que fue un éxito. En 1994 su segundo álbum "Hou me vast" (Abrázame), fue doble platino en el mercado holandés. Su tercer álbum "Geheimen" (Secretos) apareció en 1995 y fue disco de oro. Actuó en los principales teatros holandeses. Con toda esta actividad tuvo que hacer un parón para no agotar la voz. En febrero de 1997 fue galardonada con el "Arpa de Oro". Dos meses después lanzó su álbum Hartslag (Latido), que fue un éxito y comenzó una nueva gira. Su álbum Vals verlangen (Falso anhelo) fue disco de oro. En la temporada teatral 2005-2006 volvió a los escenarios con su espectáculo A Touch of Latin en el que cantaba en neerlandés y en español. En 2008 Jacott interpretó el papel principal en un musical sobre Billie Holiday del mismo título. Su actuación fue alabada por crítica y público, y recibió el premio holandés la "Mejor interpretación femenina en un musical pequeño".

POSICIÓN NÚMERO 77
Canción: Europe's living a celebration (Europa vive una celebración)
Intérprete: Rosa López
País: España
Año: 2002
Lugar obtenido: 7mo. Lugar

Curiosidades: Para el XLVII Festival de la Canción de Eurovisión, celebrado en el 2002, la Unión Europea de Radiodifusión volvió al sistema simple usado en 1994 y 1995para determinar qué países participarían en el concurso. Los países con menos puntuación (sin contar Francia, Alemania, España y el Reino Unido, que formaban el Big Four) del año anterior fueron excluidos, omitiendo tantos países como fuera necesario para reducir el número de participantes a 25. Esta edición tuvo una audiencia según la UER y televisión estona de 166 millones de espectadores, alcanzando los mayores índices en Malta (con más de un 90% de seguimiento), Suecia y España. En este último país, además, se convirtió en el espacio más visto desde que existían las estadísticas de audiencia, creando gracias al concurso de selección, Operación Triunfo, un gran eco informativo y fenómeno de masas en España… "Europe's living a celebration" fue el primer single del primer disco homónimo de la cantante granadina Rosa López, ganadora del reality Operación Triunfo. El single fue lanzado en marzo de 2002, mientras que el álbum se puso a la venta oficialmente el 22 de abril de ese mismo año. La canción representó a España en el Festival de Eurovisión en mayo de 2002, celebrado en Tallin, Estonia, donde Rosa participó junto a sus compañeros del famoso programa, David Bisbal, David Bustamante, Geno Machado, Chenoa y Gisela (que representó a Andorra en el festival de 2008). Fue el momento de mayor audiencia en el período 2000-2009, que en 2002 sumó a 14.376.551 espectadores, con un 85.2% de cuota de pantalla, según el estudio Panorama Audiovisual 2010. Al final de las votaciones la canción española quedó en séptimo puesto con 81 puntos.

Los 101 Mejores Temas de Eurovisión (IV)

2012-01-16T16:41:00.006-06:00

POSICIÓN NÚMERO 78
Canción: Satellite (Satélite)
Intérprete: Lena
País: Alemania
Año: 2010
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: 39 países participaron en el este certamen de Eurovisión como representantes de las cadenas televisivas nacionales pertenecientes a la Unión Europea de Radiodifusión. Los telespectadores pudieron votar por sus canciones favoritas a través de llamadas telefónicas o sms y la suma de estos votos representó un 50% de la votación de cada país, mientras el 50% restante correspondió a un jurado profesional de cada país. La canción "Satellite", interpretada por Lena Meyer-Landrut en representación de Alemania, ganó el concurso con un total de 246 puntos, siendo la segunda victoria que obtuvo ese país desde 1982 y la primera como país unificado. Tras muchos años ocupando las últimas posiciones, un país del denominado Big four gana desde la creación del bloque en 2000... Lena Meyer-Landrut (1991) fue ganadora del concurso de talentos Unser Star für Oslo (Nuestra Estrella para Oslo), cuya final fue realizada el 12 de marzo de 2010. La victoria le dio el derecho a representar a Alemania en el Festival de la Canción de Eurovisión 2010. El tema "Satellite" fue escrito por los compositores Julie Frost y John Gordon. Esta canción, junto con los temas "Bee" y "Love me" (esta última co escrita por ella misma junto a Stefan Raab) ocuparon los tres primeros lugares en el iTunes Store alemán el día después de la final nacional. Lena volvió a representar a Alemania con la canción “Taken by a Stranger” en el Festival de Eurovisión 2011 donde obtuvo la décima posición con 107 puntos, tras presentarse con una elaborada puesta en escena, y una coreografía muy bien elaborada. Fue la más aplaudida por el público de esa noche.

POSICIÓN NÚMERO 79
Canción: Bandido
Intérprete: Azúcar Moreno
País: España
Año: 1990
Lugar obtenido: 5to. Lugar

Curiosidades: Azúcar Moreno es un dúo musical español formado por las hermanas Toñi y Encarna Salazar, nacidas ambas en Badajoz y descendientes de una familia de músicos. En 1984 grabaron su primer disco titulado Con la miel en los labios y en 1986 Estimúlame. Tras introducirse tímidamente en el mundo de la canción, en 1988 publicaron Carne de Melocotón. En 1990 representaron a España en el Festival de Eurovisión en Zagreb (Antigua Yugoslavia) con el tema "Bandido", finalizando en la quinta posición. La canción, escrita por José Luis Abel y compuesta por Raúl Orellana y Jaime Stinus, habla sobre un "bandido" que roba el amor a las chicas sólo para dejarlas sin nada excepto el dolor y la tristeza. La canción también es conocida por tener una de las introducciones instrumentales más largas de la historia del festival; 45 segundos de un total de 3 minutos. La actuación de Azúcar Moreno en Eurovision es recordada por producirse el fallo técnico más sonado en la historia del certamen. Sucede que la canción fue cantada en primer lugar de la noche. La pista pregrabada de sonido con las percusiones y ritmos básicos, que debía sincronizarse con la orquesta en directo, salió tarde por error de un operario de la televisión yugoslava, lo que provocó que el dúo saliera a escena cuando el sonido no estaba preparado y que la orquesta no pudiera sincronizarse al empezar a escucharse el sonido con la cinta ya empezada. Las dos cantantes iniciaron su coreografía pero la grabación empezó a destiempo, lo que provocó que las hermanas dejaran de cantar y fueran a reclamar a los técnicos. Azúcar Moreno consiguió salir del apuro volviendo a bastidores. Tras unos segundos prepararon la música, comenzó la orquesta y volvieron a salir al escenario. Finalmente la canción fue ejecutada a la perfección durante sus tres minutos, en los que se hizo un completo silencio en el pabellón. En 2003, la BBC eligió "Bandido", y todos los eventos y las dificultades que rodean la ejecución, como uno de los momentos más memorables en la historia de Eurovisión. La quinta posición conseguida catapultó a las hermanas a lo más alto de las listas de ventas españolas e internacionales. Durante los años 1990 y hasta ahora han seguido editando numerosos trabajos con los que consiguieron sonados éxitos como los discos Sólo se vive una vez, Amén, Mambo, Bésame y Olé.

POSICIÓN NÚMERO 80
Canción: Pas Pour Moi (Para mí, no)
Intérprete: Daniela Simmons
País: Suiza
Año: 1986
Lugar obtenido: 2do Lugar

Curiosidades: Daniela Simmons (a veces escrito Daniela Simons) nació en Roma, y es hija única. Pronto su familia ve en ella una futura artista y actriz, en el que de hecho a los tres años Daniela ya improvisaba las canciones que su padre, también músico, componía. A los trece años ingresa en el Conservatorio de Música de Lausana donde recibiría clases de piano, que finalmente conseguiría diplomarse, además gracias a estas clases, Daniela empezaría a componer sus propias canciones. En 1983 participó en la Final suiza para Eurovisión con la canción "Dis-moi tout" que quedó en la plaza novena de nueve participantes con 10 votos. Ese año ganaba el pase a Múnich Mariella Farré, que se verá con la Simons en más finales suizas. En 1984 se presenta a un programa de la televisión suiza para jóvenes, “La Grande Chance” en el que tras acceder a la final con un tema compuesto por ella, “Une autre vie” consigue por unanimidad el respaldo del jurado y gana el concurso. Esto hizo que Daniela cumpliera su gran sueño: convertirse en cantante profesional. En 1985 se presenta a la Final suiza para Eurovisión, quedando en segundo lugar con 32 votos, de nuevo detrás de Mariella Farré que vuelve a Eurovisión como en 1983, pero ahora junto al también eurovisivo Pino Gasparini. Sin lugar a dudas, el éxito internacional le llegaría a Daniela en 1986, tras ganar la preselección nacional de Suiza hecha en Zürich, se alzó con el triunfo gracias a los votos de tres regiones suizas y un jurado de expertos. Sumó 48 puntos en esta ocasión. La canción con la que gana el pasaporte a Eurovisión fue “Pas pour moi”, escrita por Nella Martinetti y compuesta por Atilla Sereftug. En Eurovisión, obtuvo la segunda posición. El triunfo fue para Sandra Kim por Bélgica con la canción “J`amie la vie”. Su paso por Eurovisión le supuso el estrellato internacional, ya que tras su firma con la casa discográfica Polygram, se comercializó su disco por toda Europa, Estados Unidos, Canadá, Sudámerica y Australia, dando numerosos conciertos en muchos países. En 1990, Daniela Simmons recibe una oferta cinematográfica de la compañía Moldau Film Productions de Alemania y donde graba en Praga (República Checa) la serie Detektiv Klapp junto con el actor Otto Simanek. Daniela hace el papel de una bruja. La década de los 90 supone para Daniela empezar una nueva vida junto a Atilla Serftug, compositor de la canción “Ne partez pas sans moi”, con la que en 1988 Celine Dion gana Eurovisión. En 1991 Daniela se vuelve a presentar a la Final suiza para Eurovisión, quedando segunda con 38 votos. Con motivo del 50º aniversario de Eurovisión, la UER invita a Daniela Simmons junto con otros cantantes eurovisivos a la gala, que es retransmitida por todo el mundo, aunque no participa en el show.

POSICIÓN NÚMERO 81
Canción: Come Back to Stay (Regresa para Quedarte)
Intérprete: Dickie Rock
País: Irlanda
Año: 1966
Lugar obtenido: 4to Lugar

Curiosidades: En el XI Festival de Eurovisión, la cantante neerlandesa Milly Scott, fue la primera intérprete de la historia del festival que prescindió del micrófono de pie que todos sus antecesores habían usado y utilizó un micrófono de mano... Dickie Rock (de verdadero nombre Richard Rock), fue un famoso cantante irlandés, nacido el 10 de Octubre de 1936. Tuvo mucho éxito en las listas musicales de su país durante los 60’s. Entre 1963 y 1972 fue integrante de la banda Miami Showband (famosa por el asesinato de tres de sus miembros durante un ataque paramilitar al minibús en el que viajaban el 31 de Julio del 75). La exitosa banda colocó 13 temas en el Top Ten, incluidos siete números 1. Dickie Rock y la banda fueron los primeros artistas irlandeses en colocarse directamente en el número uno con su tema “Every Step of the Way”, en 1966. Durante su tiempo con la banda, Rock atrajo el tipo de histeria femenina normalmente reservada para los Beatles. En 1966 fue elegido en solitario para actuar en el XI Festival de Eurovisión con la canción “Come Back to Stay”, acabando en la cuarta posición. El tema se volvió inmediatamente un hit número uno en Irlanda. Rock fue objeto de una conocida frase irlandesa (“Escupe sobre mí, Dickie”), originada por una rebelde jovencita de los años 60’s que pedía ser cubierta por su saliva, en una manera similar a las mujeres americanas que adoraban el movimiento de caderas de Elvis Presley. La frase comenzó su popularidad en Belfast y luego fue repetida por toda Irlanda. El cantante dio inicio a su carrera de solista en 1973, aunque todavía realizó algunas presentaciones con la Miami Showband después de esto. El año pasado, 2011, Rock todavía se encontraba realizando giras a la edad de 75 años, después de una carrera que abarca más de 40 años. Recibió el reconocimiento Lifetime Achievement Award en Octubre de 2009.

POSICIÓN NÚMERO 82
Canción: Corde della mia Chitarra (Cuerdas de mi Guitarra)
Intérprete: Nunzio Gallo
País: Italia
Año: 1957
Lugar obtenido: 6to Lugar

Curiosidades: El II Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 3 de marzo de 1957 en Fráncfort, Alemania. Aunque Suiza había ganado la primera edición de 1956, no fue la organizadora del festival ya que no se había creado aún la norma por la que el país vencedor debía hacerse cargo de la organización al año siguiente. Fue principalmente un programa radiofónico, pero se incrementó considerablemente el número de espectadores a través de la televisión. En 1957 fue la primera vez en la que el proceso de votación fue público, lo que hoy es una de las principales características del Festival de Eurovisión. Además, fue la primera edición en la que se contactó con los jurados por teléfono. Destacan las participaciones de Suiza, que volvía a estar representada, por segunda vez consecutiva, por Lys Assia, aunque en esta ocasión no tendría tanta suerte como en 1956 y acabaría penúltima; y la representación de Países Bajos por parte de Corry Brokken, que supondría su segunda participación en el Festival, la que la alzaría con la victoria con el tema "Net Als Toen"... Por su parte, Nunzio Gallo nació en Nápoles, Italia, en 1928. Representó a su país en el Eurovisión después de haber ganado el Festival de San Remo ese mismo año. En ambos certámenes, actuó con la canción "Corde Della Mia Chitarra", famosa por ser la canción de mayor duración, 5:09, interpretada jamás en el Festival, antes que las nuevas reglas limitasen la duración a 3 minutos. Gallo también fue actor y apareció en cerca de 20 películas. Gallo sufrió una hemorragia cerebral en septiembre de 2007 de la que no se recuperó totalmente.

POSICIÓN NÚMERO 83
Canción: Better the devil you know (Mejor malo por conocido)
Intérprete: Sonia
País: Reino Unido
Año: 1993
Lugar obtenido: 2do Lugar

Curiosidades: Sonia Evans (1971), más conocida como Sonia, es una cantante pop británica popular a finales de los años 80 y principios de los 90. Su carrera como cantante comenzó gracias a los importantes productores británicos Stock Aitken Waterman en 1989 tras insistir a Pete Waterman para oírle cantar y lograr convencerle. Waterman hacía un programa semanal en la radio donde pidió a Sonia que actuara en directo en su show. Más adelante consiguió grandes éxitos en la UK Singles Chart incluyendo el single nº 1 en el Reino Unido con "You'll Never Stop Me Loving You" y el éxito "You've Got a Friend", sumando otros éxitos en el top 20 de los singles incluyendo "Can't Forget You" y "You To Me Are Everything". También cantó la canción "Better than evil you know" compuesta por Dean Collinson y Red representando al Reino Unido en el Eurovisión de 1993, celebrado en Irlanda, donde quedó en segundo lugar por debajo de Irlanda. En 2003, Sonia participa en el reality show Reborn in the USA junto Elkie Brooks y Tony Hadley, hasta que fue expulsada en la quinta semana.

La Frase del Día... (Movie Titles)

2012-01-14T16:10:00.006-06:00

Dirty Harry

En la Opinión de...

2012-01-10T15:48:00.011-06:00

LUISE RAINER
-actriz de cine, teatro y television-
(Düsseldorf, Alemania, 12 de Enero de 1910)

Sobre los dos Premios Oscar que recibió de manera consecutiva:

“…Yo vine de Europa, donde estaba con un maravilloso grupo de teatro, y trabajaba. La única cosa en mi mente era hacer un buen trabajo. No sabía lo que eran los Premios de la Academia.”

“…Nadie en Europa había oído hablar de esto... Nada. Yo no sabía nada. No significaban nada para mí. Nunca había oído antes de este asunto del Premio de la Academia. No era la gran sensación que es hoy. Era mucho más simple… Aún no recuerdo el primer premio. No recuerdo siquiera donde estaba exactamente.”

“…Cuando recibí este premio de la Academia no sentí ninguna gran cosa. No era algo que hubiera codidicado porque apenas sabía lo que era.”

“…Por mi segunda y mi tercera película yo gané un Premio de la Academia. Nada peor podría haberme pasado.”

“…Mi carrera, si puedo llamarle una carrera, iba hacia arriba y arriba y arriba, mientras mi vida personal iba hacia abajo y hacia abajo y hacia abajo. Llevaba tres años de monstruosa existencia, y el mundo pensaba que yo estaba en la cima.”

“…No hay ninguna maldición del Oscar. Yo no podía soportar la carga de ser el centro del universo. Tuve que retirarme y encontrarme a mí misma.”

Sobre su insatisfacción con el Hollywood de antaño:

“…Hollywood era un insofisticado lugar donde el materialismo, como la preocupación de las estrellas por la ropa, era primordial.”

“…Poco después de que estaba en Hollywood, por alguna razón me encontraba almorzando con Robert Taylor sentado junto a mí, y le pregunté: ¿Ahora cuáles son sus planes o qué quiere hacer? Y su respuesta fue que él quería tener diez buenos trajes de vestir, elegantes trajes de todo tipo, que esa era su idea. Prácticamente me caí abajo de la mesa.”

“…Durante mi tiempo en Hollywood, todo ese asunto de ser una actriz cambió a ser un artista en el mundo del espectáculo, con énfasis en los negocios. Simplemente no encajaba en eso. Y todavía no lo hago.”

“…Hollywood era un lugar muy extraño. Para mí, este era como un enorme hotel con una enorme puerta, una de esas puertas giratorias. Un único lugar adonde la gente entraba con la cabeza en alto, y muy pronto salían del otro lado con las cabezas agachadas.”

“…Solo tenía que alejarme. No podía soportar esa concentración total y entrevistas sobre uno mismo, uno mismo, uno mismo. Quería aprender, para vivir, para ir por todo el mundo, para aprender viendo las cosas y experimentándolas, y Hollywood parecía muy estrecho.”

Sobre su matrimonio con el dramaturgo Clifford Odets:

“…Me casé con Clifford Odets. El matrimonio fue para ambos un fracaso. Quería ser su esposa y una pequeña gran actriz al mismo tiempo. De alguna manera yo no podía estar a la altura de todo eso.”

“…Nunca debí haberme casado con Clifford Odets, no por su política, sino porque Cliff no era un ser humano que debería haberse casado con nadie. Nuestro matrimonio fue desastroso, aunque creo que, tanto como pudo, estuvo muy, muy enamorado de mí. Pero la única manera de alejarse de mí - es decir, del amor, la cosa que el temía sería destructiva para su ego- era matándome, no físicamente, sino emocionalmente.”

¡Happy Birthday 102!

La Frase del Día... (Movie Titles)

2012-01-08T13:23:00.003-06:00

Sleeping Beauty...

Photography: Sergio de França

Los 101 Mejores Temas de Eurovisión (III)

2012-01-01T21:58:00.008-06:00

POSICIÓN NÚMERO 84
Canción: Diggi-Loo Diggi-Ley
Intérprete: Herreys
País: Suecia
Año: 1984
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El XXIX Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 5 de mayo de 1984 en Luxemburgo. Fue la primera edición que se emitió con sonido estéreo en algunos países. Los ganadores fueron el trío compuesto por los hermanos Herreys (Per, Richard y Louis) con el tema "Diggi-Loo Diggi-Ley", que a pesar de ser considera una de las peores canciones ganadoras del Festival a lo largo de su historia, según muchos especialistas, les reportó éxito en su país y en el resto de Europa (puesto 2 en las listas suecas, puesto 5 en las noruegas; alcanzó el puesto 10 en Suiza, el 11 en Alemania; el 18 en Dinamarca; y el 45 en Reino Unido). Un año más tarde, el grupo ganó el Festival Internancionl de Sopot. Durante varios años, continuaron haciendo grabaciones y giras, pero no llegaron a obtener un éxito de similares características al de Eurovisión. Su discografía se compone de 9 discos.

POSICIÓN NÚMERO 85
Canción: Everybody (Todo el mundo)
Intérprete: Tanel Padar & Dave Benton & 2XL
País: Estonia
Año: 2001
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El XLVI Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 12 de mayo de 2001 en Copenhague. El recinto, el estadio de fútbol Parken Stadium, fue el mayor de la historia del festival acogiendo a 38.000 espectadores. A muchos participantes el escenario les pareció demasiado grande, y el ruido que hizo la enorme cantidad de espectadores en directo en la parte de las votaciones dificultó la labor de los presentadores, que tuvieron que repetir en ocasiones algunas presentaciones y tuvieron dificultades para escuchar a algunos jurados. El intermedio fue amenizado por Safri Duo junto con el grupo pop Aqua. Los favoritos en este concurso eran sobre todo Francia (Natasha St-Pier), Grecia (Helena Paparizou, ganaría cuatro años después) y la anfitriona Dinamarca (Rollo & King, quedaría en segundo lugar). Los cantantes latinos de España (David Civera) y Malta (Fabrizio Faniello) también estaban entre los máximos favoritos... Tanel Padar y Dave Benton se convirtieron en los ganadores inesperados de este Festival con su interpretación inglesa de “Everybody”, representando a Estonia, siendo la primera vez que un país de la extinta URSS ganaba Eurovisión. Fueron acompañados por el grupo 2XL haciendo los coros. La canción fue interpretada en vigésimo lugar en el festival, y al final de las votaciones había recibido 198 puntos, resultando la ganadora de entre 23 participantes. La letra de la canción es una simple invitación a la fiesta, con el dúo cantando que "todas las noches son viernes noche" ("Every night's a Friday night").

POSICIÓN NÚMERO 86
Canción: Reflection (Reflejo)
Intérprete: Bobbie Singer
País: Austria
Año: 1999
Lugar obtenido: 10mo Lugar

Curiosidades: El certámen se celebró en Israel luego de la victoria obtenida por Dana International y su canción "Diva" en la edición de 1998. Por primera vez en la historia del festival, el show fue presentado por tres presentadores que fueron Dafna Dekel (que representó a su país en 1992), Sigal Shahamon y Yigal Ravid. Desde este año, se estableció nuevamente la "libertad de idioma", permitiendo a cualquier país presentar su canción en cualquier idioma. Austria, Bosnia y Herzegovina, Dinamarca e Islandia regresaron al certamen luego de haber sido relegados en 1998; mientras que Lituania volvió a participar luego de un paréntesis de cinco años… Bobbie Singer (1981) firmó un contrato discográfico en su país a la edad de 15 años. En 1999 fue elegida internamente por la cadena ORF, con la canción "Reflection", como el representante austriaco para la 44ª Eurovisión, que tuvo lugar en Jerusalén el 29 de mayo. En la noche cantante dio un atractivo rendimiento y logró terminar en un décimo lugar de 23 países participantes. "Reflection" pasó a ser la única entrada de la cantante en las listas austriacas, colocada en el # 30. La cantante se retiró de la industria de la música profesional a principios de 2000, pero permanece activa a nivel local, interpretando música rock y electrónica con una banda indie en Viena.

POSICIÓN NÚMERO 87
Canción: Yo soy aquel
Intérprete: Raphael
País: España
Año: 1966
Lugar obtenido: 7mo Lugar

Curiosidades: El XI Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 5 de marzo de 1966 en Luxemburgo, con Josiane Shen como presentadora. La victoria fue para el tema "Merci Cherie", representante de Austria. Fue en este año cuando se instauró la regla por la cual sólo se podía llevar un tema en el idioma nacional de cada país. Esto surgió como medida ante la presentación por Suecia del tema en inglés, "Absent Friend" el año anterior... Miguel Rafael Martos Sánchez (Raphael) nació el 5 de mayo de 1943 en Linares, Jaén. Con su familia, se mudó a Madrid con nueve meses de edad y empezó su carrera como cantante a los tres años, recibiendo el sobrenombre del "Ruiseñor de Linares" y "El divo de Linares". Un año después se unió a un coro infantil y a los nueve años fue reconocido como la mejor voz infantil de Europa en un concurso de Salzburgo, Austria. Raphael empezó su carrera profesional cómo cantante con el sello discográfico Philips. Para distinguirse asimismo adoptó la grafía "ph" del nombre de la compañía y se "bautizó" como "Raphael". Sus primeros sencillos fueron "Te voy a contar mi vida" y "A pesar de todo" entre otros. Raphael es conocido internacionalmente por su expresión facial, ya que en cada canción tiende a adoptar gestos altamente dramáticos en su rostro. También posee una voz profunda y grave que ha usado con frecuencia desde el comienzo de su carrera hasta evocar la aproximación de integrante de coro en algunas canciones. En 1962 ganó tres primeros premios del Festival Internacional de la Canción de Benidorm con las canciones "Llevan", "Inmensidad" y "Tu conciencia". Después de estar ligado de manera breve con Barclay Record Label, firmó un contrato con la discográfica Hispavox donde empezó una larga relación artística con el director del sello y más tarde orquestador Waldo de los Ríos y con el cantautor español Manuel Alejandro. En 1966 y 1967 representó a España en en XII y XIII Festival de Eurovisión con las canciones Yo soy aquel (en Luxemburgo) y Hablemos del amor (en Viena, Austria) respectivamente en donde ocupó la séptima y sexta plaza. A pesar de no ganar, fue el mejor puesto alcanzado por España en aquellos tiempos.

POSICIÓN NÚMERO 88
Canción: Uno per Tutte (Uno para Todas)
Intérprete: Emilio Pericoli
País: Italia
Año: 1963
Lugar obtenido: 3er Lugar

Curiosidades: Emilio Pericoli (nacido el 7 de Enero de 1928) es un cantante italiano de físico muy parecido al actor americano Rock Hudson, cuyo éxito está estrechamente vinculado con el Festival de San Remo. A comienzos de los 60’s grabó una versión de la canción “Al di là”, que había hecho ganar a Betty Curtis en el festival. La canción fue un suceso internacional, vendió un millón de copias y alcanzó disco de oro. En 1962, Pericoli entró a participar en el Festival italiano junto con el compositor Tony Renis; interpretó la balada “Quando, Quando, Quando”, con la que ganó el primer lugar de la competencia, y se dejó escuchar en la cinta La Escapada (Il Sorpasso, Dino Risi, 1962), protagonizada por Vittorio Gassman y Catherine Spaak, y aunque la canción inicialmente no pegó, más tarde se convertiría en uno de los más conocidos éxitos italianos. Un año después, Pericoli regresó a San Remo con Renis de nuevo, con la canción “Uno Per Tutte”, donde se colocó entre los ganadores, y con el mismo tema quedó en 3er lugar en el Festival de Eurovisión.

POSICIÓN NÚMERO 89
Canción: Piove (Ciao, ciao, Bambina) (Llueve - Adiós, adiós, Chiquilla)
Intérprete: Domenico Modugno
País: Italia
Año: 1959
Lugar obtenido: 6to Lugar

Curiosidades: El escenario consistió en tres pequeñas carpas giratorias, desde las que salían los cantantes, quienes cantaban con fotografías de paisajes típicos del país de fondo. Por otra parte, Domenico Modugno (1928 - 1994) representaba a Italia por segundo año consecutivo. Modugno es considerado como el Padre de los cantautores italianos y uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y grabado cerca de 230 canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para la televisión, recitado 13 obras teatrales, conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios.

Adiós al año que se nos va...

2011-12-30T14:57:00.020-06:00

El tiempo pasa, las cosas cambian, la vida acaba… El 2011 se extingue para dar paso al año nuevo 2012. Pero el Blog sigue, y esperamos que la compañía de sus lectores también... Quizá para algunos el 2011 no haya sido satisfactorio, y tal vez para muchos significó el comienzo de mejores oportunidades, del inicio del gran amor, del gran proyecto, de la gran aventura. 12 meses de felicidad o agridulce pasatiempo. Pero lo que viene puede ser mejor, o al menos podemos intentar que sea así…

Al final del 2010 nos preguntábamos que más sorpresas nos traería el nuevo año. Hoy, 365 días después, nos seguimos haciendo la misma pregunta. En cine, curiosamente las mejores realizaciones del 2011 se han guardado para la temporada de premios de fin de año e inicios del próximo. En la mayoría de los países hispanohablantes veremos todo eso en la cartelera del año que viene. El 2012 verá el fin de la trilogía del Batman de Nolan y el Twilight de Stephanie Meyer. Concluyó la saga de Harry Potter pero comienza la de El Hobitt, Los Juegos del Hambre y el reboot de El Hombre Araña. Y la duda surge: ¿Será The Avengers la “mejor” película de Superhéroes de la historia? El listón se antoja demasiado alto, porque ya comprobamos que las precuelas de los X-Men nomás no han tenido la fuerza que se prometió. Pero el taquillazo que supondrá, cortesía de los fans y el público gay, está asegurado. El motivo es más que evidente.

Las expectativas para el 2012 parten de una gran verdad. La añoranza por el cine clásico no ha terminado. Si en la gala del Oscar el clasismo de El Discurso del Rey (The King's Speech, Tom Hooper, 2010) derrotó a la innovación de El Origen (Inception, Christopher Nolan) o la contemporaneidad de La Red Social (The Social Network, David Fincher), para la entrega no. 84 ya se prevee como certeras las candidaturas (¿y triunfos?) de The Artist (Michael Hazanavicius), Meryl Streep y Michael Fassbinder en los apartados principales. Streep y Leo Di Caprio recrean a personajes de trascendencia histórica contemporánea, y The Artist, se presenta como un emotivo retrato del Hollywood de antaño, cuando las talkies desplazaban al cine silente y sus actores conocían el ostracismo y el relevo.

En My Week with Marilyn, Michelle Williams y Kenneth Brannagh hacen lo propio en la piel de Marilyn Monroe y Laurence Olivier, respectivamente. Mientras el guapo James Preston se presta a interpretar al ídolo juvenil por excelencia en Joshua Tree, 1951: A portrait of James Dean.

El doblemente oscarizado Daniel Day-Lewis da vida al presidente Lincoln en la biografía que Spielberg prepara sobre el mítico presidente norteamericano, mientras que Benjamín Walker hace lo mismo en Abraham Lincoln: Vampire Hunter, que como su titulo lo indica, será la versión sacrilega del personaje, muy en la línea de Van Helsing: Cazador de Monstruos (2004). El remake que Baz Luhrmann está haciendo de El Gran Gatsby se antoja atrevido y con una lluvia de críticas en espera de desatarse.

Si ya se actualizaron cuentos morales como Alicia en el País de las Maravillas, Caperucita Roja, La Bella Durmiente, La Bella y la Bestia, y hasta El Gato con Botas, para el año que viene tendremos el estreno de las dos versiones que se han hecho de Blanca Nieves, una de aspecto más seria que la otra, tan iguales en su base argumental, pero tan diferentes en sus propósitos comerciales.

Con especial atención se espera el estreno de Prometheus, con un Ridley Scott regresando a los orígenes de Alien (1979), así como también se antoja ver que ha hecho Alfonso Cuarón con George Clooney y Sandra Bullock en Gravity, la nueva película de Tim Burton con Johnny Depp, Dark Shadows, así como Rock of Ages, la comedia musical de Broadway dirigida por Adam Shankman con Tom Cruise, Catherine Zeta-Jones y el joven mexicano Diego Boneta, un chico con aires de divo que comenzó como actor infantil de telenovelas (como Gael García, Diego Luna) y que al no tener en México el éxito musical que esperaba, se lanzó a lo grande a Estados Unidos, y miren nada más a dónde fue a parar.

Y mientras las miradas lujuriosas se han ido apartando de maromos como Ryan Reynolds y Bradley Cooper, y de niños guapos como Robert Pattinson, Taylor Lautner y Zac Efron, la consagración como sex symbol del 2012 parece le llegará al musculoso Henry Cavill, al menos todo el parato publicitario de Superman: Man of Steel lo está intentando. Pero también habrá cabida para que las adolescentes se enamoren de Andrew Garfield como “Peter Parker”, y de Liam Hemsworth y Josh Hutcherson cuando comience la fiebre por Los Juegos del Hambre.

Por otro lado, un montón de secuelas de sonados éxitos comerciales (pero desechables) se irán estrenando en el transcurso de los meses del próximo año, de los más diversos géneros, con los más improbables resultados. Con todo ello nos preguntamos ¿acaso hay poco lugar para la originalidad? Y si el éxito viene acompañado de remakes, precuelas y secuelas ¿es malo el éxito para la creatividad de la cinematografía? ¿Cuántas continuaciones son suficientes: dos, tres, cuatro…? Y ya entrados en materia, ¿Es tan importante que un filme se estrene en 3D para considerase bueno? ¿La película de Almodovar tendrá alguna nominación al Oscar? ¿Se le escapará la estatuilla dorada nuevamente a Meryl Streep? ¿Qué prepara George Lucas para el 2012? ¿Ganará de nuevo el PRI la Presidencia de la República en México? ¿Llegaremos al celebrar el fin del próximo año?...

Eperamos que ustedes, amables lectores, sigan con nosotros, pues el El Edén Sideral tiene reservadas aún muchas sorpresas para el 2012. Recuerden que semana a semana, tienen una cita puntal con este Blog. Mientras tanto, aquí les dejó un clip de video del talento artístico de Televisa realizado el año pasado. La canción es muy buena, así que súbanle a los altavoces... Desde este edén les deseamos que la lluvia de la paz, la esperanza, la felicidad y el amor les pille con el paraguas roto y salpique a todos los que están a su alrededor, derramando sobre ellos dichas y bendiciones. Demósle un beso a la persona amada. Levantemos las copas y brindemos por el presente, por aquellos que se fueron, por los que todavía están con nosotros, por los días que nos restan de vida. Un sabio dijo: la riqueza de un humano se mide por la cantidad y calidad de los amigos que tiene. Gracias a todos ustedes por ser parte de mi fortuna. ¡Feliz Año!

Atte.
Atticus Grey.

La Frase del Día... (Movie Titles)

2011-12-28T11:31:00.006-06:00

Pídele al tiempo que vuelva…

Artist: Tom Hussey

En la Opinión de...

2011-12-26T23:04:00.005-06:00

In Memorian
PEDRO ARMENDÁRIZ Jr.

-actor de cine, teatro y televisión-
-Presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (2006-2010)-
(Ciudad de México, 1940 - Nueva York, 2011)

Sobre el peso de la figura paterna y la planeación de las películas en la época de oro del cine mexicano:

“…Mi padre siempre hizo buenos amigos en México y en el extranjero, y eso me ha abierto puertas. Pero un actor no puede vivir ni desarrollarse por la fama de su padre. Eso te da una oportunidad, si no la ganas difícilmente te la volverán a dar. Mis papeles en cine han sido totalmente diferentes a los de mi papá. Nunca he salido de charro ni de indígena. Ahora me gustaría que alguien me propusiera hacer esos personajes. Yo me desarrollé en otras caracterizaciones. Mi relación con el cine ha sido con Cazals, Hermosillo, Ripstein y Fons, que son los directores de mi generación…”

“…En los años cuarentas llegaba el productor a mi casa a proponerle una película a mi papá. Luego iban con Marga López, Ismael Rodríguez o con otros famosos y firmaban un papel en el que se comprometían a hacer una cinta dos o tres años después. Con los tratos pactados avisaban a distribuidoras y exhibidoras, las que contestaban enviando un anticipo importante con el que rodaban la cinta. Hoy las cosas son al revés. El productor, una vez que terminó su película, inicia el peregrinar para convencer a distribuidoras y exhibidoras para que la metan en las salas. Ahí está el grave error. Es una locura. El cine de la época de oro estaba muy unido. Cuando se estatizó se desunió porque el Estado creyó que el cine era sólo producir, y no es así. Quedaron desunidos productores, distribuidores y exhibidores. Muchos alaban esa nacionalización del cine, a mí me pareció ridícula…”

(Fuente: Revista Telemundo, No. 45, 1999)

Sobre su gusto por el cine:

“…A mí lo que más me gusta del cine es que durante cuatro, cinco, seis, siete meses, está un guionista con sus colaboradores y director escribiendo un guión. Después pasa al pre-guión, luego ya lo imprimen, y empieza la producción y lo que tú quieras. Y todo esto viene punteado para que un día, el director o la directora de la película diga: “¡listos, cámara, acción! Y todo tiene que jalar, porque son muchas cosas las que tienen que jalar: que la foto, que las luces, que esto, que entra el cochecito, que se baja, que se va, que el sonido… Y eso es lo que hace fantástico al cine, que son miles de cosas que en ese determinado y específico momento todo tiene que funcionar…”

(Fuente: TAP, OnceTv México, 2010)

¡Merry Christmas!

2011-12-25T15:01:00.012-06:00

La Navidad no es un momento ni una estación,

sino un estado de la mente.

Es la dulzura del pasado,

el valor del presente y la esperanza del futuro…

Es una época de amor y solidaridad:

puede levantar el ánimo del más pobre

y entristecer al rico...

Es el deseo más genuino de que cada abrazo

se rebase con bendiciones ricas y eternas,

y de que cada camino nos lleve a la paz,

a disfrutar de la vida con las pequeñas cosas

que ésta nos ofrece, a dar lo mejor de ti...

Que esta Navidad convierta

cada deseo en flor, cada dolor en estrella,

cada lágrima en sonrisa,

cada corazón en dulce morada...

Que en estas fiestas Navideñas

la magia sea tu mejor traje,

tu sonrisa el mejor regalo,

tus ojos el mejor destino,

y tu felicidad mi mejor deseo.

Los 101 Mejores Temas de Eurovisión (II)

2011-12-23T13:28:00.011-06:00

POSICIÓN NÚMERO 90
Canción: Ding-a-Dong
Intérprete: Teach-In
País: Países Bajos
Año: 1975
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El XX Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 22 de marzo de 1975 en Estocolmo. Este fue el año en el que se estrenó el sistema de votación actual, según el cual cada país daba 12 puntos a su canción favorita, 10 a la segunda, 8 a la tercera y de 7 a 1 a las siguientes hasta la décima. La victoria final estuvo en las manos del grupo neerlandés Teach-In con el tema "Ding-A-Dong" siendo el primero de los 19 países en participar en la gala, y ganó. El grupo Teach-In se formó en 1969 en Enschede, Países Bajos, con un cambio de alineación en 1975. La cantante Getty Kaspers se unió a la banda en 1971, cuando tuvieron su primer contrato de grabación con el productor y compositor Eddy Ouwens. Para 1974 la banda ya tenía 3 hits dentro del Top 15, y fue entonces cuando decidieron entrar al Festival de la Canción de Eurovisión. Gracias al triunfo obtenido, el grupo viajó por Europa por los siguientes 2 años, pero el éxito llegó a su fin cuando la banda se separó en 1978. Getty intentó una carrera como solista pero no fue exitosa.

POSICIÓN NÚMERO 91
Canción: Aprite le Finestre (Abran las Ventanas)
Intérprete: Franca Raimondi
País: Italia
Año: 1956
Lugar obtenido: Desconocido.

Curiosidades: En este primer festival, aunque no existía reglamento al respecto, las canciones no superaron los tres minutos y medio, y los cantantes estuvieron acompañados por una orquesta de 24 músicos, dirigida por Fernando Paggi. No existe el registro en video de las participaciones de los cantantes, a exepción de la canción ganadora (Refrain, de Lyss Asia), y tampoco se publicaron las puntuaciones y posiciones de los otros temas participantes, lo que produjo que surgieran muchos rumores, entre ellos el que colocaba al tema alemán de Walter Andreas Schwarz como segundo clasificado, y el de Franca Raimondi como el tercer lugar de la contienda. A partir de entonces se entendió que hacer la votación pública sería interesante para incrementar la audiencia, algo que se convertiría rápidamente en uno de los momentos más míticos del certamen hasta el día de hoy. Raimondi (1932 – 1988) fue una cantante italiana que estuvo de moda en la década de los 50. En 1956, había ganado el Festival Della Canzone Italiana con el tema "Aprite le Finestre". El mismo año, Franca representó a Italia en el primer Festival de Eurovisión con la misma canción. En años posteriores, Franca participó en el programa Canzonissima y en el Festival di Napoli.

POSICIÓN NÚMERO 92
Canción: La, la, la
Intérprete: Massiel
País: España
Año: 1968
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: Massiel nació en Madrid el 2 de agosto de 1947, hija de padres asturianos. Su padre era el promotor musical Emilio Santamaría. Su primera actuación en público fue en 1966 interpretando en Madrid la canción "Di que no", considerada por algunos como una de las primeras "canciones protesta”. Ese mismo año acude al llamado Festival de la Rosa en Roma, al de Viña del Mar, en Chile, y al de Mallorca, donde gana el premio de la crítica con el tema "Rufo el Pescador". En 1967 rueda sus dos primeras películas, Vestida de novia y Codo con codo, y consigue un gran éxito en España e Hispanoamérica con la canción "Rosas en el Mar", escrita por Luis Eduardo Aute, del que también interpretaría su "Aleluya nº1". La XIII edición del Festival tuvo lugar el 6 de abril de 1968 en el Royal Albert Hall de Londres, Reino Unido. La presentadora fue Katie Boyle, y Massiel, que representaba a España, ganó el concurso con la canción "La, la, la", obteniendo 29 puntos. El segundo puesto fue para el representante británico, Cliff Richard, que con la canción "Congratulations" quedó a un punto de España. Isabelle Aubret, representante de Francia con la canción "La Source" quedó tercera con 20 puntos. En un principio, España iba a enviar al concurso a Joan Manuel Serrat para que cantara "La, la, la", pero él se negó a actuar si no lo hacía en catalán. De esta forma fue sustituido por Massiel, y sólo dispuso de nueve días para preparar la canción que a la postre resultaría ganadora. El tema fue compuesto por el famoso “dúo dinámico”, un dúo musical español que fue muy popular en España y América Latina en los años 60, formado por los músicos Manuel de la Calva Diego y Ramón Arcusa Alcón, compositores e intérpretes, productores discográficos y protagonistas de varias películas. En el cierre del festival, Massiel volvió a cantar visiblemente emocionada el tema ganador, solo que esta vez, para dejar claro que su triunfo no fue casualidad, cantó una estrofa final en inglés. Tras el certamen, el gobierno de Franco le concedió a la intérprete el Lazo de Isabel la Católica, pero rechazó recibirlo, lo cual, según Massiel, le valió un año de veto en TVE, hasta aparecer en el festival de 1969 en Madrid.

POSICIÓN NÚMERO 93
Canción: Say Wonderful Things (Dime cosas maravillosas)
Intérprete: Ronnie Carroll
País: Reino Unido
Año: 1963
Lugar obtenido: 4to Lugar

Curiosidades: A pesar de que Francia había ganado la edición de 1962, dejaron el honor de preparar el festival al Reino Unido, ya que habían sido los organizadores en 1961. El peculiar estilo escenográfico de este festival, rodado en los platós de la BBC, con el público y la presentadora en un plató y los intérpretes y la orquesta en otro, así como el hecho de que no se vieran los micrófonos en las actuaciones, que fueron visualizadas por el público asistente a través de una pantalla, levantaron las sospechas de que las actuaciones hubieran sido pregrabadas y no fueran en directo. Ronnie Carroll participó en Eurovisión en 1962 con el tema “Ring-A-Ding Girl”, quedando en el cuarto lugar, y en 1963 volvió a quedar en la misma posición con el tema "Say Wonderful Things". Por lo que Carroll es el único cantante que ha representado a Reino Unido en el concurso dos años consecutivos.

POSICIÓN NÚMERO 94
Canción: La Det Swinge (Déjenos bailar Swing)
Intérprete: Bobbysocks
País: Noruega
Año: 1985
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: Bobbysocks fue un dúo noruego femenino formado en 1983 por Elisabeth Andreassen (1958) y Hanne Krogh (1956), que obtuvieron considerable éxito en la década de 1980 en los países escandinavos. En 1985 ganaron el Festival de Eurovisión, pero luego vino la disolución del grupo tras editar tres discos. Ambas continuaron su carrera por separado. Elisabeth, la que más destacó en solitario, volvió otras dos veces a Eurovisión quedando 6ª (1994) y 2ª (1996). En 2005 se juntaron para cantar en el show Congratulations que conmemoraba el 50 aniversario del eurofestival.

POSICIÓN NÚMERO 95
Canción: Vivo Cantando
Intérprete: Salomé
País: España
Año: 1969
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El XIV Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 29 de marzo de 1969 en el Teatro Real de Madrid (España). La presentadora fue Laura Valenzuela, que se vio en apuros al observar el empate entre cuatro países al final del festival con 18 puntos: Salomé con "Vivo Cantando" por España, la británica Lulu con el tema "Boom Bang-a-bang", la holandesa Lenny Kuhr con "De Troubadour" y, finalmente, Frida Boccara por Francia con "Un Jour, un Enfant". Fue la primera vez que tenía lugar un empate por el primer puesto, y no existía ningún tipo de reglamento al respecto. Por ello, se consideró a los cuatro países empatados como vencedores, lo que originó dificultades a la hora de otorgar los galardones a los vencedores. En directo se dio el trofeo a cada una de las cuatro intérpretes ganadoras, y los respectivos premios para los compositores se entregaron una vez finalizado el festival. Todo esto motivó la queja de muchos de los países participantes. Otro dato a tener en cuenta es el diseño por parte del artista Salvador Dalí de toda la publicidad relacionada con el evento... Salomé (María Rosa Marco Poquet) tenía 29 años al momento de ganar el Festival. Su vestido en la puesta en escena, diseñado por Pertegaz para la ocasión, pesaba 14 kilos y estaba compuesto por canutillos de porcelana azul turquesa y tres collares de 1 kilo cada uno. El tema "Vivo Cantando" fue grabado por Salomé en 8 idiomas diferentes (español, catalán, euskera, francés, alemán, italiano, inglés, y serbocroata), por lo que llegó a ser un hit en muchos países. Vendió más de 1.900.000 de discos. La cantante se retiró oficialmente de la música en 2003.

Los 101 Mejores Temas de Eurovisión (I)

2011-12-21T13:46:00.006-06:00

POSICIÓN NÚMERO 96
Canción: Puppet on a String (Marioneta en una Cuerda)
Intérprete: Sandie Shaw
País: Reino Unido
Año: 1967
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El XII Festival de la Canción de Eurovisión fue retransmitido el 8 de abril de 1967 desde Viena, por primera vez en definición de 625 líneas, aunque todavía en blanco y negro. La ganadora fue Sandie Shaw y su canción "Puppet on a String". La presentadora Erika Vaal se confundió durante la votación al proclamar la victoria del tema británico antes de escuchar los votos del último jurado. Además, el marcador se averió a mitad de votación, y los escrutadores tuvieron que andar corrigiendo continuamente puntuaciones que se mostraban de forma errónea. Cabe mencionar que Sandie Shaw es la cantante inglesa más exitosa de la década de 1960, popular por cantar descalza en la mayoría de sus actuaciones. El tema ganador fue número 1 en Reino Unido y se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de Eurovisión.

POSICIÓN NÚMERO 97
Canción: Poupee De Cire, Poupee De Son (Muñeca de Cera, Muñeca que Canta)
Intérprete: France Gall
País: Luxemburgo
Año: 1965
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: La cantante y modelo francesa France Gall tenía 17 años al momento de su triunfo en el Festival. Desde su infancia la rodeó la música: su padre fue el letrista Robert Gall (fue autor de, entre otros, "La Mamma" para Charles Aznavour) y su madre Cécile Berthier era hija de Paul Berthier, co-fundador del coro Los Pequeños Cantores de la Cruz de Madera. En la primavera de 1963, Robert Gall, al darse cuenta de la buena voz de su única hija de entonces sólo 15 años, la animó a grabar canciones y envió los demos al editor Denis Burgeois, que al quedar impresionado por su voz la contrató de inmediato y la hizo firmar para la Phillips, donde Burgeois trabajaba como director artístico y donde trabajaba también el compositor Serge Gainsbourg. Éste famoso autor le compuso el tema “Ne Ecoute pas les Idoles” ("No escuches a los ídolos"), que fue todo un éxito en su país, llegando a estar 2 semanas en el top de las listas en Marzo de 1964. Sumado a las canciones escritas por su padre, el éxito de Gall se construyó sobre un abanico de canciones pop adictivas como a veces sofisticadas, compuestas por los mejores compositores y letristas de Francia de aquella época. Su tema “Sacré Charlemagne”, con letras de su padre y arreglos de George Liferman, fue un verdadero suceso en 1965, llegando a vender 2 millones de copias. Gall fue entonces seleccionada para representar a Luxemburgo el Festival de la Canción de Eurovisión 1965. De las 10 canciones propuestas para ella, ella eligió de Gainsbourg «Poupée de cire, poupée de son». El 20 de Marzo de 1965, Gainsbourg, Gall, y Goraguer pasaron a las finales del concurso de la canción en Nápoles, Italia, donde su performance empapada de ternura juvenil y femineidad llamó la atención, llegándose a llevar el Grand Prix o Primer lugar. El sonado éxito obtenido en Eurovisión garantizó que Gall iba a llegar a ser conocida fuera de Francia: ella grabó «Poupée de cire, poupée de son» también en Finés, Alemán, Italiano, y Japonés. Nunca apareció una versión realizada por France Gall en inglés y español, aunque se hicieron covers en esas respectivas lenguas por la estrella inglesa de los 60s Twinkle y por la española Karina. Para el certamen (en el 50º Aniversario de Eurovisión fue elegida como una de las mejores actuaciones de la historia). Posteriormente Gall fue pedida por el famoso Walt Disney para aparecer en el papel de Alicia en una versión musical en película de Alicia en el País de las Maravillas, esto después de ya haberse lanzado una película animada en 1951. Aunque Gall había insistido que ella no quería envolverse en trabajo cinematográfico, este fue el único proyecto que se ajustaba más a ella. Lamentablemente, el proyecto fue cancelado después de la muerte de Disney en 1966. En 1966 Gall apareció en el especial para televisión Viva Morandi. El ofrecimiento lejos más audaz fue el que le hizo el director Bernardo Bertolucci para el principal rol femenino (el que fue finalmente tomado por Maria Schneider) en El Último tango en Paris (1972). Sin embargo, al leer la descripción de las escenas en que se vería envuelto su personaje, ella rehusó firmemente la oferta.

POSICIÓN NÚMERO 98
Canción: Tom Pillibi
Intérprete: Jacqueline Boyer
País: Francia
Año: 1960
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: Este sería el último festival que se realizaría entre semana, ya que se transmitió en un jueves. Aunque los Países Bajos habían ganado el festival de 1959, decidieron no celebrar la edición de 1960, por lo que la BBC decidió hacerse con dicha organización el 29 de marzo de 1960 en Londres. Jacqueline Boyer contaba con 18 años al momento de su triunfo en Eurovisión interpretando "Tom Pillibi", con música de André Popp y letra de Pierre Cour. Hizo una gran carrera en Alemania, donde grabó dos álbumes en alemán, volviendo allí cada año de manera regular y apareciendo en distintas emisiones de televisión y filmes germánicos.

POSICIÓN NÚMERO 99
Canción: Rock Me (Muéveme)
Intérprete: Riva
País: Yugoslavia
Año: 1989
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El grupo croata Riva comenzó su carrera en el Zagrebfest de 1988. Su canción "Rock Me" ganó el Festival de la Canción de Eurovisión 1989, según el historiador John Kennedy O'Connor en el libro The Eurovision Song Contest – The Official History, fue una victoria muy inesperada. Terry Wogan (el comentarista de la BBC) consideró esta victoria como "la muerte del festival". Y es que según muchos fans de Eurovisión, el resultado se debió más a intereses políticos que a la calidad del tema representado. En aquel tiempo, Yugolasvia era el país más democrático en el este de Europa y se avecinaba la caída del muro de Berlín. Irlanda, Reino Unido, Israel y Turquía y votaron con 12 puntos (máxima puntuación que podía otorgar el jurado) al país socialista. Y con 10 puntos lo apoyaron Bélgica, Dinamarca y Austria. Recordemos que de 1963 a 1991 el estado yugoslavo estuvo compuesto por seis Repúblicas Socialistas y dos provincias autónomas: RS de Bosnia y Herzegovina, RS de Croacia, RS de Eslovenia, RS de Macedonia, RS de Montenegro y RS de Serbia (que incluía las provincias autónomas de Vojvodina y Kosovo y Metohija). El tema ganador consiguió colocarse en el gusto del jurado porque la gala de ese año presentaba canciones muy flojas y con poca gracia. Riva sobresalió con su energía y una vez que se escuchó el primer coro de la canción, no hubo duda alguna, el tema era anémico, pero se antojaba bailarlo.

POSICIÓN NÚMERO 100
Canción: Sing Little Birdie (Canta, pequeño pajarito)
Intérprete: Teddy Johnson & Pearl Carr
País: Reino Unido
Año: 1959
Lugar obtenido: 2do Lugar

Curiosidades: El IV Festival de la Canción de Eurovisión tuvo lugar el 11 de marzo de 1959 en Cannes, Francia. El país ganador fue los Países Bajos con el tema Een beetje, interpretado por Teddy Scholten, que consiguió 21 puntos. En segunda posición quedaron los británicos Pearl Carr y Teddy Johnson, con la canción Sing Little Birdie, que obtuvo 16 puntos. El tercer puesto, con 15 puntos, fue para la canción francesa Oui oui oui oui, cantada por Jean Philippe. Estas tres canciones fueron interpretadas al final del festival, que duró 73 minutos.

POSICIÓN NÚMERO 101
Canción: Refrain (Estribillo)
Intérprete: Lys Assia
País: Suiza
Año: 1956
Lugar obtenido: 1er Lugar

Curiosidades: El primer festival, de una hora y cuarenta minutos de duración, fue principalmente un programa radiofónico, aunque hubo cámaras en el estudio para aquellos pocos ciudadanos europeos que poseían un televisor. Esa es la razón que explica la pobre decoración del plató. Los siete países participantes (Alemania Occidental, Suiza, Francia, Luxemburgo, Italia, Países Bajos y Bélgica) enviaron un jurado compuesto por dos miembros, salvo el ducado de Luxemburgo que permitió que el jurado suizo votara en su lugar. Por ello, y teniendo en cuenta que los jurados podían incluso votar a la canción de su propio país, podría explicar la victoria del tema helvético. Se desconoce si ha sobrevivido algún vídeo integro del festival. El único material fílmico que se conserva es el de Lys Assia (tenía 30 años de edad) cantando la canción ganadora Refrain al final del festival, material que originalmente se conserva sin audio y que para su edición en el DVD del 50 aniversario del festival fue sincronizado con la versión del audio en estudio de la canción (es el video que se adjunta). Lys Assia, al saberse triunfadora y tener que interpretar una vez más su canción ganadora, se emocionó en la primera estrofa y no pudo continuar, con lo que la orquesta tuvo que volver a empezar, con las disculpas de la cantante… La otra canción que interpretó fue "Das alte Karussel" ("El viejo carrusel"). Tras su victoria, volvió a representar a Suiza en las dos siguientes ediciones del festival. En 1957 ocupó el penúltimo lugar con "L'enfant que j'étais" ("La niña que era"), y en 1958 fue subcampeona con "Giorgio". Este año 2011, a los 85 años de edad, Lys Assia se acaba de presentar con la canción "C'était ma vie" ("Era mi vida") a la preselección suiza para volver por cuarta vez al Festival de la Canción de Eurovisión en 2012.

¿Qué les parece?

En la Opinión de...

2011-12-19T17:06:00.003-06:00

CHAVELA VARGAS

-cantante, compositora y actriz ocasional-
(1919, San Joaquín de Flores, Costa Rica)

Sobre sus preferencias sexuales:

“…Yo he tenido que luchar para ser yo y que se me respete, y llevar ese estigma, para mí, es un orgullo. Llevar el nombre de lesbiana. No voy presumiendo, no lo voy pregonando, pero no lo niego. He tenido que enfrentarme con la sociedad, con la Iglesia, que dice que malditos los homosexuales… Es absurdo. Cómo vas a juzgar a un ser que ha nacido así. Yo no estudié para lesbiana. Ni me enseñaron a ser así. Yo nací así. Desde que abrí los ojos al mundo. Yo nunca me he acostado con un señor. Nunca. Fíjate qué pureza, yo no tengo de qué avergonzarme... Mis dioses me hicieron así...”

La Frase del Día...

2011-12-17T22:11:00.004-06:00

Dios hizo el gato
para ofrecer al hombre

el placer de acariciar un tigre

Festival de la Canción de Eurovisión... Feel Your Heart Beat

2011-12-11T18:27:00.007-06:00

El Festival de la Canción de Eurovisión (en inglés Eurovision Song Contest; en francés Concours Eurovision de la Chanson) es un festival de la canción televisado de carácter anual y con participantes de numerosos países, cuyas televisiones (en su mayoría públicas), son miembros de la Unión Europea de Radiodifusión.

En los años 50, con una Europa de posguerra intentando reconstruirse, la Unión Europea de Radiodifusión (UER) — con base en Suiza — puso en marcha la idea de un festival de la canción internacional donde todos los países pudieran participar en un programa de televisión, que sería trasmitido simultáneamente en todos los países de la unión. Esto fue concebido durante una reunión en Mónaco en 1955 por Marcel Bezençon, presidente de la UER. La competencia fue basada en el Festival de la Canción de San Remo que se realiza en Italia, y fue visto como un experimento tecnológico para la televisión en vivo: en esos días una transmisión simultánea a varios países era un proyecto muy ambicioso. La televisión por satélite no existía, por lo que la Unión Europea de Radiodifusión debía utilizar la transmisión por microondas. El nombre "Eurovision" fue primeramente usado para referirse a la UER por el periodista británico George Campey en el Evening Standard en 1951.

La primera edición del Festival de Eurovisión se celebró en la ciudad de Lugano, Suiza, el día 24 de mayo de 1956. Siete países participaron — presentando dos canciones cada uno, dando un total de catorce. Esta fue la única edición donde un país podía interpretar más de una canción: desde 1957 todas las competiciones permitieron sólo una canción por país. La competición de 1956 fue ganada por el país anfitrión, Suiza, y el honor le correspondió al tema “Refrain” interpretado por Lys Assia.

A través de los años, el ganador del festival se ha determinado usando numerosos sistemas de votación, aunque todos se basan en la obtención de puntos de parte de los jurados y del televoto de los países participantes. El país con más puntos al final de la votación es declarado ganador. En el primer Festival de Eurovisión no fue otorgado ningún punto; simplemente un jurado anunció el nombre del ganador.

Hasta 2011 se han celebrado cincuenta y seis ediciones del festival, con un ganador en cada año, excepto en 1969, cuando cuatro países empataron en primer lugar, por lo que puede considerarse que cincuenta y ocho canciones han ganado el Festival de la Canción de Eurovisión. El festival es uno de los programas de televisión más antiguos que aún se transmiten en el mundo. Además es el festival de la canción más grande en términos de audiencia, la que se ha estimado entre 100 y 600 millones internacionalmente. El evento es transmitido alrededor del mundo (más allá de Europa), incluso en países que no participan del mismo, como Australia, Canadá, Corea del Sur, Egipto, Estados Unidos, Hong Kong, India, Jordania y Nueva Zelanda; además de Argentina, Paraguay, Colombia, El Salvador, México, Venezuela, Honduras, Guatemala, Costa Rica y Puerto Rico.

Al paso de los años, el festival ha crecido de un simple experimento televisivo a una institución internacional de grandes proporciones y el término "Eurovisión" es reconocido a lo largo del continente. La aptitud para participar no está determinada por la inclusión geográfica dentro del continente europeo, a pesar del prefijo "Euro" en "Eurovisión" — que no tiene que ver con la Unión Europea. En 1980, Marruecos — un país norteafricano— participó en la competición, e Israel, nación perteneciente a Asia, lo lleva haciendo desde 1973.

Veinticinco países han obtenido el triunfo en el festival, siendo Azerbaiyán el ganador más reciente agregado a la lista. Suiza fue el primer país en ganar el festival, e Irlanda es el país con más victorias: siete. En segundo lugar empatan Francia, Luxemburgo y el Reino Unido. Éste último es el país que más veces ha quedado en segundo lugar, ocupando aquella posición quince veces. La única persona que ha ganado en más de una ocasión es Johnny Logan, quien obtuvo la victoria en tres ediciones representando a Irlanda: una como cantante en 1980, una como cantautor en 1987 y finalmente como compositor en 1992.

Ganar el festival de Eurovisión provee una oportunidad única al artista ganador para sacar provecho de su éxito y de la publicidad obtenida para hacer despegar su carrera internacional. Sin embargo, a lo largo de la historia del festival pocos participantes se han convertido en estrellas mundiales. El ganador de Eurovisión más notable, cuya carrera fue lanzada a la cima después de su victoria es ABBA, que ganó el festival por Suecia en 1974 con el tema «Waterloo». Después de su triunfo, el cuarteto se convertiría en uno de los grupos más exitosos de la historia.

Otra ganadora notable es Dana International, que con la canción "Diva", alcanzó la fama mundial por ser la primera transexual que participaba en Eurovisión alzándose con el triunfo en 1998. Ha destacado también Céline Dion, que alcanzaría la fama representando a Suiza en 1988 con la canción "Ne Partez Pas Sans Moi". Sin embargo, el éxito de Céline no es atribuido directamente a su triunfo en el festival, a diferencia de ABBA o Dana International.

Otros artistas que han alcanzado cierto grado de fama después de ganar el Festival de Eurovisión incluyen a France Gall ("Poupée de cire, poupée de son", Luxemburgo 1965), Dana ("All Kinds of Everything", Irlanda 1970), Vicky Leandros ("Après toi", Luxemburgo 1972), Brotherhood of Man ("Save Your Kisses for Me", Reino Unido 1976), Marie Myriam ("L'oiseau et l'enfant", Francia 1977), Johnny Logan (quien ganó dos veces por Irlanda; con "What's Another Year?" en 1980, y con "Hold Me Now" en 1987), Bucks Fizz ("Making Your Mind Up", Reino Unido 1981), Nicole ("Ein Bißchen Frieden", Alemania 1982), Herreys ("Diggi-Loo Diggi-Ley", Suecia 1984) y Lordi ("Hard Rock Hallelujah" Atenas 2006). Muchos otros ganadores incluyen otros artistas que ganaron el festival a la mitad de su carrera, después de que se hubiesen establecido como artistas exitosos, como es el caso de Gigliola Cinquetti ("Non ho l'età", Italia 1964), el de Katrina & The Waves ("Love Shine a Light", Reino Unido 1997), y el de Olsen Brothers (“Fly on the Wings Love”, Dinamarca, 2000).

Sin embargo, existen otros intérpretes que hicieron relativamente poco impacto en el mundo musical desde que ganaron el festival, y que actualmente sólo se les conoce por ser one-hit wonders. Entre los cantantes de fama internacional que participaron en alguna edición del festival y que no ganaron, han estado por ejemplo: el cantante español Raphael (participante en dos ocasiones con los temas “Yo soy Aquel” en 1966 y “Hablemos del Amor” en 1967), en donde ocupó la séptima y sexta plaza, respectivamente. A pesar de no ganar, fue el mejor puesto alcanzado por España en aquellos tiempos. Tal éxito permitió que su carrera no quedara estancada y que ganara fama internacional. También participó Cliff Richards (“Congratulations”, Reino Unido, 1968), el grupo Mocedades (“Eres tú”, España, 1973), Olivia Newton-John (“Long Live Love”, Reino Unido, 1974), Julio Iglesias (“Gwendolyne”, España, 1970), y el grupo t.A.t.U. (“Ne ver' ne bojsia”, Rusia, 2003), por poner un ejemplo.

Debido al hecho de que las canciones son interpretadas para una audiencia internacional con diversos gustos musicales, y que los países buscan obtener más votos como sea posible, la mayoría de las canciones presentadas en el concurso pertenecen al género pop. Géneros distintos rara vez tienen éxito, haciendo que varias críticas señalen a las canciones del festival como "pasadas de moda" y de "bubblegum pop". Sin embargo, en años recientes se han presentado en el festival varios temas pertenecientes a otros géneros como árabe, pop-rap, dance, rock, latina, metal, punk, entre otros. Además, como el festival de Eurovisión es un espectáculo visual, muchas presentaciones intentan llamar la atención a los votantes por otros medios que no son exactamente musicales, lo que ha llevado a muchos a criticar al festival argumentando que la calidad de las interpretaciones ha disminuido.

En la pasada edición del Festival, en la que ganó el duo Ell & Nikki (“Running Scared”), representantes del pequeño país de Azerbaiyán, que apenas lleva cuatro años como participante del mismo, se ha calculado que un total de 70 millones de espectadores vieron la final en directo mientras que 24,8 lo hicieron durante la primera semifinal y 19,7 durante la segunda.

El impacto en las redes sociales también fue impresionante: 800.000 personas siguieron el evento via streaming (esto es, a través de internet y que no han sido incluídas en las cifras anteriores), 400.000 comentaron el festival durante su emisión en Facebook, así como varios global “trends” en twitter. A estas cifras tenemos que añadir, las audiencias de 15 emisoras nacionales de radio que retransmitieron el festival y las de las televisiones de Kosovo, Kazajstán, Australia y Nueva Zelanda.

Recordemos que las cifras en España fueron de 4.724.000 en la final, llegando a los 5.963.000 durante las votaciones. Las semifinales apenas superaron el medio millón de telespectadores (530.000 y 516.000 respectivamente). Sin duda, Festival de la Canción de Eurovisión se sitúa como el mayor espectáculo musical del mundo, pese a quien le pese.

Y para recordar aquellos talentos que han pasado por este concurso, El Edén Sideral se ha dado a la tarea de encuestar entre familiares, amigos, desconocidos, connacionales y extranjeros, gente de todas las edades, credos, sexos y preferencias, cuáles han sido, a su criterio, las 101 Mejores Canciones que han pasado por el Festival Eurovisión. Siendo este un Blog latinoamericano, creemos que el juicio de elección será imparcial, pues nuestro país no participa en el concurso ni tiene aliados potenciales del otro lado del “charco”.

Como toda lista the best of the best que se precie, habrá con seguridad inconformidad entre los lectores por alguna posición en particular, así que aclaramos dos puntos que fueron importantes para el proceso de selección: No se tomó en cuenta el renombre o trascendencia del grupo o cantante, así como tampoco el lujo del escenario, coreografía o efectos que haya tenido tal o cual presentación. Lo que se ha calificado para integrar esta lista corresponde únicamente a los atributos de la interpretación y del tema que se ejecuta. Además, tomando en cuenta que en años recientes el proceso de semifinales ha dejado fuera de concurso a varios temas con una calidad muchas veces superior a los que resultan incluso ganadores, se ha optado por considerar “elegibles” a todas aquellas intepretaciones que hayan llegado a la competición final. Como decía un reconocido bloguero en su espacio, no olvidemos que el esplendor de las lentejuelas, a veces, nos hace olvidar que el vestido es, en realidad, tirando a feo.

Por poner un ejemplo: El año pasado el grupo 3Js representante de Países Bajos, fue eliminado en la Semifinal 2 con el tema “Never Alone”, pues las votaciones de Alemania, Francia e Italia no les favorecieron en lo absoluto. A pesar de que dieron una estupenda presentación, quedaron en el lugar 19 de 19 países concursantes en esta etapa. La canción con la que participaron en el festival fue seleccionada a través de una final nacional en su respectiva nación, en la que el grupo presentó cinco canciones propias. El voto del público y del jurado seleccionó la canción "Je vecht nooit alleen", que posteriormente fue traducida al inglés como "Never alone". En la segunda semifinal sólo obtuvieron 13 puntos y terminaron en último lugar, quedando por tanto e inmerecidamente fuera de la final… Así que para gustos, los colores.

Ah, y como no todo está dicho, de aquí hasta que terminemos de publicar las 101 Mejores Canciones del Festival Eurovisión, ustedes amables lectores pueden votar también por sus temas favoritos, dejando en sus comentarios una lista de sus propios candidatos. ¿Quién debería ocupar el TOP 10 de las Mejores Canciones de Eurovisión? Vota y Participa. La cuenta regresiva inicia pronto…

La Frase del Día...

2011-12-07T19:06:00.003-06:00

Déjame ponerte una sonrisa

en esa cara

En la Opinión de...

2011-12-03T19:50:00.004-06:00

ROBERT REDFORD

-actor, director y productor cinematográfico-
(1936, Santa Mónica, California. Estados Unidos)

Sobre sus ideales y trayectoria:

“…Fui educado para no creer en falsos valores y para ser honesto conmigo mismo y con mis principios. Por eso siempre he tenido una baja tolerancia para quienes no comparten este tipo de idealismo. Cuando comenzaba, yo ponía mucha más atención en aprender el oficio. Hoy, los actores jóvenes son prematuramente convertidos en estrellas, de manera que se les priva de la posibilidad de refinar sus habilidades y desarrollar una técnica propia. Me dan lástima tipos como Brad Pitt y Johnny Depp: son víctimas del ansia de los medios. En la atmósfera de la actualidad, tan pronto como filmas una cinta, la maquinaria publicitaria desciende sobre ti como los buitres. No te dan tiempo de crecer como ser humano. Por lo menos yo tuve la oportunidad de trabajar en la oscuridad hasta que estuve listo para lidiar con toda esa basura que acompaña a los actores exitosos.

…Sin embargo, estoy contento de haber dejado el mundillo del cine en los 80 para escapar de la manipulación de mi imagen y luchar por proteger al ambiente. Fundé el Sundance, que ha apoyado a cineastas estadounidenses que nunca tendrían una oportunidad sin mi ayuda. Quise retribuir un poco al cine y dar a la gente una alternativa frente a lo que Hollywood ofrece. Si tuviera que hacer todo de nuevo habría dejado antes la actuación y habría dirigido y producido muchas películas más.

…Ser un líder en algo es como una maldición. Por eso me salí de Hollywood porque no me dejaba satisfecho ser un actor cuyo trabajo se oscurecía con el maquillaje excesivo. Como cultura, estamos atrapados en nuestra obsesión por lucir bien más que por sentirnos bien o pensar. En mi propia carrera, traté firmemente de evitar que la atención se enfocara sobre mi supuesta buena apariencia. Fui educado para valerme por mí mismo, para no pedir ayuda a nadie, para nunca ser autocompasivo, o quejarme o dar la espalda a un reto. Es el tipo de enseñanza moral que te permitirá hacerte cargo de ti mismo. Sin tener que recurrir a los demás. Me alegra haber tenido esa actitud en mi vida porque eso te hace más firme y determinado.”

Fuente: Playboy, México. Marzo, 1995.

La Frase del Día...

2011-11-26T17:35:00.001-06:00

El mundo vive de apariencias,
por eso estamos en la ignorancia.

Las 100 Mejores Películas del Cine Mexicano (XV)

2011-11-21T16:20:00.015-06:00

El Cinematógrafo de los hermanos Lumière llegó a México en tiempos de Porfirio Díaz, en 1896, al mismo tiempo que llegaba en todo el mundo meses después de haberse presentado en Francia con sus exhibiciones en el gran café “Boulevard de Capucines” de París, por esta razón y el éxito que tuvo debido a la curiosidad de cómo funcionaba, se crearon las primeras salas de cine que transmitían las imágenes en movimiento de ese novedoso invento, el Cinematógrafo. Los hermanos Lumière mandaron representantes armados de proyectores, aparatos, tomavistas, cintas fílmicas y películas vírgenes, en el caso de México los enviados fueron C.J Bernard y Gabriel Veyre, siendo nuestro país el único de Latinoamérica en que los operadores de los Lumière realizaron una serie de películas como en: Francia, Inglaterra, España, Italia, Túnez, Alemania, entre otros.

En México las primeras películas fueron hechas con personajes de la vida cotidiana, uno de los cuales fue el presidente Porfirio Díaz en una monta que realizaba en el Castillo de Chapultepec, favoreciendo la curiosidad de la audiencia. Estas primeras vistas están catalogadas como “cine documental” por ser un simple reflejo de la realidad, todavía sin argumento y sin edición. Otro tipo de cine que se dio en México fue el cine de ficción, éste emplea un argumento, al modo del teatro. En octubre de 1899, el exhibidor mexicano Salvador Toscano filmó una versión muy abreviada de Don Juan Tenorio, también se filmaron cuadros sobre episodios nacionales como Cuauhtémoc, Benito Juárez, Hernán Cortés, Hidalgo y Morelos.

Los cineastas norteamericanos fueron también unos de los principales productores del cine documental en México, ya que a estos les interesaba captar la revolución a través de imágenes en movimiento, para divulgar una clara idea de lo que estaba pasando. eran titulados por ellos mismos, como por ejemplo el largometraje Barbarous México (1912). En México se sentían un poco limitados al querer filmar acerca del tema por los riesgos que se corrían por el dictador Porfirio Díaz, por lo que sus filmes de menores recursos que los de los norteamericanos tuvieron menos difusión en el extranjero.

A principios de 1914, un grupo de camarógrafos estadounidenses cruzaba la frontera de su país con México para ir al encuentro del ejército comandado por Pancho Villa. Su misión consistía en filmar una película en la que se plasmaran sobre todo diversas imágenes procedentes de las campañas militares emprendidas por el revolucionario mexicano. No iban a la aventura, sino resguardados por un contrato firmado por Villa con la Mutual Film Company por $25.000, que autorizaba su trabajo. Por eso, es posible decir que Pancho Villa fue uno de los primeros actores que obtuvo un jugoso contrato con la industria cinematográfica extranjera. Este hecho tiene mucho de anecdótico, pero también de conveniencia para el revolucionario necesitado de armas y comida. Sin embargo, más allá de esa anécdota, importa resaltar que, además de un periodo fundamental de la historia de México, su revolución es un factor de peso incalculable para el desarrollo del arte y la cultura mexicanos, incluido, por supuesto, el cine.

Las películas sonoras llegaron a México en 1929, mismo año en que se llevaron a cabo los primeros experimentos de sincronización entre imágenes y sonido en nuestro país, haciendo llegar el cine mudo a su fin, pero a pesar de sus esfuerzos para la cinematografía nacional, le era difícil competir con la industria hollywoodense. Aunque la llegada del cineasta soviético Sergei Eisenstein en el año 1930 entusiasmó a la élite cultural mexicana interesada en el cine, pero por otra parte la filmación de ¡Que Viva México! atrajo al distribuidor Juan de la Cruz Alarcón que formó en 1931 la Compañía Nacional Productora de Películas, asociado con el director Gustavo Sáenz de Sicilia y el periodista Carlos Noriega Hope, entre otros. El resultado inmediato de esta alianza fue Santa (Antonio Moreno) en el año 1931, la primera cinta mexicana filmada con sonido óptico y la que inauguraría la etapa industrial en el cine mexicano.

En un segundo momento, la Revolución Mexicana y sus líderes principales resultaron motivos muy atrayentes para filmar cintas con argumento y guion, y con toda la carga subjetiva que ello pudiera significar. Nacionales y extranjeros se propusieron así ofrecer variadas facetas del movimiento armado iniciado en noviembre de 1910. En buena medida, la llamada “época de oro” del cine mexicano se sustentó en las películas que tienen como elemento central a la Revolución Mexicana. Casi todos los grandes actores y actrices de esa época participaron en alguna película argumental basada en aquel gigantesco movimiento popular. La llamada “mejor película” del cine nacional, está ubicada precisamente en el movimiento revolucionario… Pasen y vean.

1.- ¡Vámonos con Pancho Villa! (Fernando de Fuentes, 1935)

Drama social. Durante la revolución mexicana, cinco valientes rancheros admiradores de las hazañas de Pancho Villa, se unen a la célebre División del Norte. Conocidos como los Leones de San Pablo, uno a uno van muriendo, tanto en combate como en situaciones absurdas que dejarán en el único sobreviviente una amarga visión de la lucha revolucionaria…

Fernando de Fuentes Carrau fue un guionista, productor y director de cine mexicano. Dirigió más de 35 películas que destacan por la combinación de habilidades técnicas con un extraordinario sentido de la narrativa visual. Comprometido con una visión realista de lo que fue el movimiento revolucionario en México, filma su llamada trilogía de la Revolución, integrada por El Prisionero 13 (1933), El Compadre Mendoza (1933) y ¡Vámonos con Pancho Villa! (1935). La crítica especializada ha destacado que los primeros filmes de Fernando de Fuentes se alejaron de la visión folclórica y romántica que imperaría en el cine mexicano sobre la revolución. Ningún intento posterior por mostrar en el cine al mayor conflicto bélico de nuestra historia lograría el efecto que siguen teniendo sus cintas.

Según el prestigiado director Felipe Cazals películas como ¡Vámonos con Pancho Villa! y El Compadre Mendoza "son los pilares absolutos de la historia del cine mexicano. Pilares que contienen elementos documentales, porque casi siempre en el cine mexicano la presencia del elemento documental, mezclado con una situación de ficción, cuando las intenciones son de una actitud critica en verdad de los autores, dan resultados estupendos", dijo.

En ¡Vámonos con Pancho Villa!, el director veracruzano adapta en colaboración de Xavier Villaurrutia el argumento basado en el libro homónimo escrito por Rafael F. Muñoz (que también actúa en la película), que “constituye la mejor adaptación de una novela que haya realizado el cine nacional” según el crítico Jorge Ayala Blanco.

La película es la número 10 en la filmografía de su director, iniciado su rodaje en 1934, concluida en 1935 pero estrenada en 1936, una vez que se había estrenado el drama romántico campirano Allá en el Rancho Grande (Fernando De Fuentes, 1936) que fue uno de los primeros éxitos de taquilla del Cine Mexicano. En aquella película el laureado Gabriel Figueroa tiene a su cargo la dirección de fotografía, labor que repite en ¡Vámonos con Pancho Villa! junto al operador estadounidense Jack Draper. La música es de Silvestre Revueltas, quien por cierto hace un original cameo donde interpreta “La Cucaracha” en el piano de una cantina. En esa escena los ánimos se van calentado y algún borracho empieza a disparar, es en ese momento cuando Silvestre despliega un cartel donde pone escrito: “Se suplica no tirarle al pianista”. La producción corre a cargo de Alberto J. Pani, que no escatimó gastos en las escenas de batalla, escenas que para la época nada tienen que pedirle comparadas con su tiempo a clásicos del cine bélico americano de los años 50’s.

Este filme fue realizado en locaciones de Chihuahua, Coahuila, Guanajuato y San Luis Potosí. Fue la primera película de la compañía Clasa Films, y parte del financiamiento se logró gracias a la intervención del gobierno, convirtiéndose en la producción más costosa del cine mexicano hasta ese momento. La cinta recoge las descripciones de la vida diaria de la tropa en un buen nivel (por supuesto con La Adelita como música de fondo). La guarnición apiñada junto a las estaciones del ferrocarril, los revolucionarios trepados en el frente de una máquina o sobre el techo de los trenes en marcha. Amorosamente, de Fuentes cuida los detalles humanos y ambientales. Al pie del vagón se escriben a máquina cartas. Las soldaderas resisten el asedio sexual, preparan la comida; además se nos presentan batallas en paisajes de la árida región norte del país, con ametralladoras y cañones enmarcados por cactus y nopales. Son los inicios de Gabriel Figueroa en la cámara. Llama la atención la escena donde uno de los "Leones" es abatido por el ejército federal y cae muerto sobre un maguey, tendido en él, la imagen evoca a Eisenstein y su ¡Qué Viva México!

El escritor Emilio García Riera comentó que ¡Vámonos con Pancho Villa! representa la primera superproducción del cine mexicano: “Costó un millón de pesos, entonces una cifra astronómica, y marcó la introducción de equipo cinematográfico moderno en el cine nacional”. En ella De Fuentes hace una aproximación a la revolución a través de unos personajes llenos de matices, que se convierten en los antihéroes de una historia dramática, narrada en un tono grave y divertido, que dejó un sabor amargo en los espectadores pues no es nada complaciente. Es decir, lejos de mostrar a Pancho Villa como un ídolo o como un ser mítico, el caudillo es presentado como un simple ser humano, un tipo que lo mismo reparte de sus mismas manos el maíz que será sembrado por los campesinos, como lidera las batallas y toma decisiones políticamente poco correctas. Pero la película no se centra en la figura del caudillo, sino que mira y analiza la revolución desde los ojos de un grupo de campesinos que deciden enlistarse en las filas de Villa para poco tiempo después darse cuenta que la guerra no es como la pintan, recorriendo la historia desde muertes gloriosas y heroicas hasta llegar a las trágicas e inútiles, que terminan desencantando a Tiburcio, el protagonista de la historia.

Pero a todo esto ¿cuál es el argumento de la película?

SPOILERS: En 1914, el soldado Miguel Ángel (Ramón Vallarino en su debut cinematográfico) escapa de los azotes que le da un capitán federal suponiéndolo culpable de la muerte de 14 centinelas. Miguel Ángel se reúne con sus amigos Tiburcio Maya (Antonio R. Frausto), Martín Espinosa (Rafael F. Muñóz) y los hermanos Perea: Máximo (Raúl de Anda) y Rodrigo (Carlos López “Chaflán”), que forman el grupo de rancheros apodados Los Leones de San Pablo.

Todos deciden ingresar al ejército de Pancho Villa (Domingo Soler), a quien encuentran repartiendo maíz en un tren. Villa, jugando con el apellido de Miguel Ángel del Toro, lo apoda El Becerrillo. En una batalla, Máximo roba cuna ametralladora enemiga, lazándola en pleno galope, pero es herido y muere cuando Villa lo felicita por su audacia. El siguiente en morir heroicamente es Martín al lanzar granadas a un fortín. Al ir a parlamentar con un general enemigo, Tiburcio, Rodrigo y uno de sus compañeros llamado Melitón (Manuel Tamés) son detenidos. Van a ser ahorcados en la misma línea de fuego; Melitón será el primero en morir, pero el peso de su cuerpo rompe la soga cuando llegan los villistas a salvar a sus compañeros.

En el tiroteo mueren Rodrigo y un joven teniente federal que cumplía con su misión militar. Villa incorpora a Los tres leones restantes a su escolta, “Los Dorados”. En una cantina, los tres se ven obligados a participar en un peligroso juego, la Ruleta Rusa, para eliminar, por superstición, al más cobarde de los trece hombres sentados alrededor de la mesa. Al caer una pistola lanzada al aire, en la oscuridad, la bala hiere a Melitón; quien prefiere suicidarse a soportar la humillación. Camino a Zacatecas, se declara una epidemia de viruela en el tren villista. El Becerrillo enferma y Tiburcio se ve obligado por Villa a matarlo y quemar después el cadáver con todas sus pertenencias.

La cinta termina cuando el último sobreviviente de los Leones, se da cuenta de la inutilidad de sus afanes. La muerte de sus compañeros no ha servido para nada. Camina por la vía del tren como si pisara los cadáveres inermes y rígidos de sus amigos, ultrajados al cabo de una lucha sin sentido, decepcionado se sostiene con las energías que le prestan la acidez y el asco. Camina y se pierde en la oscuridad de la noche…

¡Vámonos con Pancho Villa! no glorifica héroes ni hace una apología de la guerra, por el contrario, Fernando de Fuentes cuenta una historia donde habla de la estupidez de la guerra y de la gratuidad de la crueldad. Hay un diálogo que va más o menos así y que da muestra de las incongruencias de los héroes. Es cuando le preguntan a Pancho Villa si autoriza el fusilamiento de músicos que fueron capturados. En un principio el jefe de la División del Norte responde que como creen, que mejor los incorporen a los batallones pues para algo han de servir y como le responden que ya sobran músicos simplemente responde "Entonces fusílenlos, para qué me preguntan".

El investigador John Mraz sostiene que esta película, en lugar de celebrar los logros de la Revolución Mexicana, demuestra su parte oscura: al principio, los Leones idealizan a Villa como un verdadero justiciero social; la primera vez que lo ven está distribuyendo maíz a los pobres y prometiéndoles tierras. En ese momento, los norteños quedan cautivados con el héroe revolucionario. Sin embargo, a medida que continúa la película se reduce la admiración y acaba por transformarse en decepción. Mraz señala: “En contraste con la gran mayoría de películas sobre Villa, el filme de Fernando de Fuentes es antiépico. Nos enfrenta a la crueldad legendaria de Villa”.

La película no fue censurada por el gobierno de Lázaro Cárdenas. ¿Por qué? De acuerdo con Salvador Elizondo, “el periodo cardenista suele considerarse como uno de libertad considerable y relativamente poca interferencia gubernamental en el cine”. No obstante, Adolfo Gilly, doctor en Estudios Latinoamericanos, añade otra perspectiva: planteaba que para Cárdenas, Villa no formaba parte del “panteón revolucionario”. Este hecho podría indicar que la crítica que hace esta película del Caudillo del Norte en realidad podía responder a intereses oficiales. De cualquier manera, en 1936 existió una necesidad por desmitificar la imagen de Villa y enseñar la otra cara de la Revolución Mexicana: la parte cruda de los héroes que no enseñan los libros de texto.

El reconocimiento a este clásico del cine mexicano llegó varias décadas después de su menospreciado estreno. El rodaje se vio plagado de problemas financieros y una enfermedad del director postergó la filmación durante varios meses. Finalmente, la cinta se estrenó el 31 de diciembre de 1936 en el cine Palacio de la capital mexicana y duró solamente una semana en taquilla. Para entonces, como ya se ha dicho, De Fuentes había lanzado el que sería el primer "taquillazo" del cine mexicano: Allá en el Rancho Grande (estrenada el 6 de octubre de 1936). La popularidad que alcanzó esta cinta estelarizada por Tito Guízar y Esther Fernández eclipsó en su tiempo al poderoso drama sobre el desencanto de la revolución que es ¡Vámonos con Pancho Villa!.

A principios de los sesenta, la crítica y el movimiento cultural de aficionados cinematográficos en México rescataron del olvido la cinta, y se convirtió, junto con El Compadre Mendoza, en referente del mejor cine nacional. La cinta volvió a ser noticia en 1973, cuando la Filmoteca de la UNAM localizó una copia de la película en 16 milímetros muy deteriorada que incluía un final hasta entonces desconocido. En ese final alternativo, Pancho Villa regresa por Tiburcio Maya y le pide que vuelva a combatir en su tropa. Al negarse, Villa mata a su mujer y a su hija. Nuevamente el protagonista se desencanta con Villa en intenta matarlo, un dorado le dispara en la espalda para que no mate al llamado “Centauro de Norte” y se lleva a su pequeño hijo a la revolución. Se ignora si este final fue censurado, aunque es más probable que haya sido el propio De Fuentes quien decidiera eliminarlo por encontrarlo innecesario o demasiado cruel. La película con este final fue transmitida por la televisión mexicana en 1982. Para el crítico e historiador Emilio García Riera, "la película queda mejor con el final comúnmente visto, un final desencantado que redondea bellamente una obra excepcional del cine mexicano."

García Riera comenta en su historia del cine mexicano que si ¡Vámonos con Pancho Villa! hubiera sido el modelo a seguir y no el de Santa (1931), la primera película sonora mexicana, historia de una prostituta redimida, mucho nos hubiéramos ahorrado las películas de ficheras de la década de los setenta y conoceríamos mucho más de la historia de México gracias al Cine.

Dentro de las 100 Mejores Películas del Cine Mexicano (de un conteo que abarca hasta 1994) ¡Vámonos con Pancho Villa! es considerada la número uno, pero no sólo es una de las películas referentes para entender la historia del cine mexicano, sino una obra que abarca un momento importante en México y que gracias a esta trilogía de su director (El Prisionero 13, El Compadre Mendoza y ¡Vámonos con Pancho Villa!), la Revolución tiene un lugar importante dentro de la filmografía nacional.

The Sound of Music... the Vázquez Sounds

2011-11-19T20:29:00.005-06:00

Ponemos a su consideración a un grupo amateur mexicano que está causando sensación en las redes sociales y en los portales de videos, es el trío de los adolescentes hermanos Los Vázquez Sounds, integrado por Abelardo (pianista, 15 años), Ángela (vocalista, 10 años) y Gustavo (baterista, 12 años), que con el cover de la británica Adelle “Rolling in the Depp” se están dando a conocer alrededor del mundo. Son de Mexicali, Baja California Norte, y con su video se demuestra tanto el talento musical como la visión para crear un video cuya calidad es impresionante, y que ya ha tenido eco hasta en noticieros como los de ABC.

¿Ustedes que opinan? ¿Nace… una estrella?

La Frase del Día...

2011-11-16T19:58:00.001-06:00

Por qué contentarnos con vivir a rastras
cuando sentimos el anhelo de volar...

Diálogos Inolvidables: La Diligencia

2011-11-13T16:13:00.014-06:00

La Diligencia
(Stagecoach, 1939)

Director: John Ford.

Guión: Dudley Nichols, Ben Hecht (sobre el relato “Stage To Lordburg” de Ernest Haycox).

Reparto: John Wayne, Claire Trevor, Thomas Mitchell, John Bancroft, Louise Platt, Andy Devine, John Carradine, Donald Meek, Berton Churchill, Tim Holt.

Premios Oscar: Mejor Actor Secundario (Thomas Mitchell), Mejor Banda Sonora. Nominaciones por Mejor Película, Mejor Director, Mejor Fotografía en Blanco y Negro, Mejor Dirección de Arte y Mejor Edición.

Durante un largo y peligroso viaje en Nuevo México, un variopinto grupo de personajes coincide en una diligencia que atraviesa inhóspitos parajes del oeste más salvaje: Una joven embarazada (Louise Platt) casada con un soldado con el que espera encontrarse; un ex oficial confederado (John Carradine) reconvertido en galante jugador profesional; un banquero (Berton Churchill) corrupto y mezquino; un médico alcohólico (Thomas Mitchell) con hondo desarraigo; una compasiva prostituta (Claire Trevord) a la que han echado del pueblo; un endeble comerciante de licores (Donald Meck) en busca de nuevos mercados; un ex-presidiario fugitivo (John Wayne) que debe vengar una afrenta; un conductor de diligencias (Andy Devine) inseguro y temeroso; y un sheriff (George Brancroft) que custodia al detenido y escolta a los pasajeros. Las relaciones entre ellos serán difíciles y tensas. Además, durante el viaje, tendrán que afrontar el ataque de una partida de indios apaches, liderados por el jefe Jerónimo, por lo que deberán olvidar sus diferencias y defenderse del ataque de los indios cuando una escolta del séptimo de caballería recibe orden de no acompañarles.

Considerada por muchos el mejor -aunque imperfecto- Western de todos los tiempos, esta película que consagró a John Ford como un director respetable, tiene su base en un argumento bien sencillo (el viaje de un grupo de personas en una diligencia y las diversas aventuras que tienen que superar), pero extraordinariamente construido. Ninguno volverá a ser el mismo cuando finalmente la diligencia llega a su destino. La cinta cuenta además con unos bellos exteriores, rodados en el magnífico Monument Valley, donde Ford, se da la circunstancia, rodó algunas de sus películas más memorables y reconocidas. Es una emocionante obra de calidad que incluye un duelo a muerte como mandan los cánones y una espectacular persecución a caballo gracias al formidable trabajo de los especialistas. Todo esto y mucho más se encuentran ya en esta magnífica obra, que ni siquiera es la cúspide en la carrera de su director.

La secuencia que se ha elegido sucede cerca de los 50 minutos de transcurrido el metraje: Los pasajeros de la diligencia se han detenido a pasar la noche en el hostal del posadero Chris (Chris-Pin Martin), y descubriendo que la prejuiciosa Sra. Mallory (Louise Platt) está a punto de dar a luz, un reanimado Dr. Boone (Thomas Mitchell) se propone a asistirla en el parto con ayuda de la otra mujer del grupo, Dallas (Claire Trevor). Después del alumbramiento, la desvalorizada Dallas sale a tomar un poco de aire a la alquería trasera, seguida por un agradecido Ringo Kid (John Wayne), que ignora el verdadero oficio de la dulce y bella mujer.

Ringo: Debería quedarse con los demás, Señorita. Los apaches andan siempre al acecho de un descuido. ¿Va usted de visita a Lordsburg?

Dallas: No, yo… tengo amigos allí y… tal vez encuentre trabajo. Oiga, Ringo, ¿por qué no trata de escapar? ¿Por qué no huye usted?

Ringo: Porque debo ir… a Lordsburg.

Dallas: ¿Para qué? ¿Por qué no pasa ahora la frontera?

Ringo: Mi padre y mi hermano murieron asesinados por los Plumier. Usted no sabe lo que es perder así a unos seres queridos.

Dallas: … Yo los perdí cuando era niña. Hubo una matanza arriba, en las montañas.

Ringo: Eso es muy duro. Sobre todo para una chica.

Dallas: Bueno, una ha de vivir no importa lo que suceda.

Ringo: Sí, es cierto… Mire, Srita. Dallas. Usted no tiene a nadie, ni yo tampoco. Y bueno, puede que me esté haciendo ilusiones pero… la he visto con esa bebe en brazos, la bebe de otra mujer. En fin… bueno, pues aún tengo un rancho al otro lado de la frontera. Es un lugar agradable, bonito de verdad. Con árboles, hierba, agua, y una cabaña a medio construir… Un hombre podría vivir allí… con una mujer. ¿Quiere usted ir?

Dallas: Pero si no me conoce. ¿Qué sabe usted de mí?

Ringo: Sé todo lo que quiero saber… ¿Irá usted?

El director nos regala una película emocionante, intensa, llena de sentimiento, con una historia de amor que se va formando a medida que el viaje avanza entre dos personajes solitarios, dos personas que se sienten marginadas por los errores cometidos en la vida, como son el de John Wayne y el de Claire Trevor, ese presidiario y esa prostituta que deberían ser lo más bajo de la sociedad y resultan mejores que cualquier otro personaje de la película. “Ringo Kid” se enfrentará a sus enemigos en Lordsburg, conocerá el pasado de su interés romántico y decidirá finalmente el rumbo que deberá llevar su vida en el lejano oeste. ¿Entrará a prisión o se aventurará al nuevo amor?

La Frase del Día...

2011-11-11T21:59:00.005-06:00

La carne es débil,

y de cualquier gancho se atora…

Las 100 Mejores Películas del Cine Mexicano (XIV)

2011-11-06T20:48:00.022-06:00

2.- Los Olvidados (Luis Buñuel, 1950)

Drama social. En los suburbios de Ciudad de México una pandilla de muchachos liderados por El Jaibo (Roberto Cobo) se mueve en los ámbitos de la delincuencia. Éste acaba de escapar de la correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. La pandilla volverá a sus fechorías, esta vez tratando de robar a Don Carmelo (Miguel Inclán), un anciano ciego pero astuto que trabaja por su cuenta como músico ambulante. Entre el grupo de niños se encuentra Pedro (Alberto Mejía), un muchachito que busca sobretodo cariño y respeto, pero a cambio recibe malos tratos por parte de su madre (Estela Inda), quien lo tuvo en su adolescencia antes de unirse al padre de sus otros hijos para luego ser abandonada por éste. Pedro tiene que robar en su propia casa la comida que se le niega, por lo que busca en la amistad de El Jaibo la figura paterna que nunca ha tenido. Por la noche Pedro encuentra al “Ojitos” (Mario Ramírez), un inocente niño campesino que ha sido abandonado por su padre en el mercado, y se lo lleva a pasar la noche al gallinero del Cacarizo (Efraín Arauz), uno de sus amigos, que también está dando posada a El Jaibo. El supuesto responsable de la detención de El Jaibo es Julián (Javier Amezcua), un muchacho honesto que trabaja de sol a sol mientras su padre (Jesús García Navarro) se ahoga en alcohol el dinero que previamente ha ganado con el sudor de su frente. El Jaibo matara a Julián en presencia de Pedro, convirtiéndolo en su cómplice, con lo que sus destinos quedarán unidos irremediablemente. Don Carmelo tomará al Ojitos como su lazarillo, y le pide que todos los días vaya con Meche (Alma Delia Fuentes), la hermana del Cacarizo, a recoger la botella de leche de burra que le da a cambio de curar a su madre de una enfermedad que la tiene postrada en cama. El Ojitos siente simpatía hacia la chica, por lo que se niega a ser arrastrado por aquello que sabe incorrecto e intentará defenderla cuando El Jaibo quiera abusar de ella con el consentimiento de su hermano. Pedro no puede evitar sentirse culpable por la muerte de Julián, así que buscará trabajo para alejarse de la vida callejera y conseguir el cariño materno, pero la influencia de El Jaibo terminará por arruinarle sus planes...

Luis Buñuel ha sido, sin lugar a dudas, el realizador más importante del cine de habla hispana. Su trayectoria artística -32 películas filmadas en cincuenta años de carrera- es una de las más importantes y prolíficas de la cinematografía mundial. Los Olvidados es considerada la película que volvió a colocar a Buñuel en la escena internacional, luego de que su impresionante debut fue seguido por dos décadas de relativa oscuridad.

Después de un sublime fracaso (Gran Casino, 1947) y un mediano éxito (El Gran Calavera, 1949), el productor Óscar Dancigers encontró una motivación para proponerle a Buñuel una nueva colaboración, esta vez con mayores ambiciones artísticas. "Vamos a hacer juntos una verdadera película. Busquemos el tema." Buñuel se le había adelantado, aunque su proyecto no pretendía ser más que un melodrama convencional. Junto con el escritor Juan Larrea, el director había escrito el argumento titulado "¡Mi Huerfanito Jefe!" sobre un niño vendedor de billetes de lotería. Al leerlo, Dancigers opinó que no estaba mal, pero que estaba dispuesto a hacer algo más serio: "una historia sobre los niños pobres de México."

Animado por el apoyo de Dancigers, Buñuel dedicó varios meses junto con su coguionista Luis Alcoriza y el escenógrafo Edward Fitzgerald a investigar el ambiente y las condiciones de vida de los barrios pobres de la capital mexicana.

“Durante 4 o 5 meses, unas veces con mi escenógrafo, el canadiense Fitzgerald, otras con Luis Alcoriza, pero generalmente solo, me dediqué a recorrer las "ciudades perdidas", es decir, los arrabales improvisados, muy pobres, que rodean México, D.F. Algo disfrazado, vestido con mis ropas más viejas, miraba, escuchaba, hacía preguntas, entablaba amistad con la gente. Algunas de las cosas que vi pasaron directamente a la película.” (Luis Buñuel)

La colaboración del escritor tapatío Jesús Camacho -mejor conocido como Pedro de Urdimalas- fue esencial para recuperar el habla popular mexicana en los diálogos de la cinta. Camacho había escrito los chispeantes y coloridos diálogos de Nosotros los Pobres (1947) y Ustedes los Ricos (1947) dos de las películas más célebres de Ismael Rodríguez y del cine mexicano. Pero también participaron en el guión (sin acreditar) Juan Larrea, y en la labor de diálogos Max Aub.

Roberto Cobo, hijo de una pareja de actores que formaban parte de una compañía itinerante de teatro, recordó en una entrevista como conoció a Buñuel: “De casualidad. Entonces tenía 19 años y estaba por hacer un papel chiquito en El Rey del Barrio, con Tin Tan. Conocí a Buñuel en sus oficinas del edificio Chapultepec, que ahorita ya no existe. Cuando me vio se quedó bizco; lo impacté. Lo cautivó mi porte; yo creo que le gustó mi físico por delgado, anguloso o narizón. Era ancho de espaldas, porque musculoso me puse después. Buñuel no hablaba; sólo me dijo: "Váyame a ver a los Estudios América". "No me van a dejar entrar", le respondí. "Di que vas a ver a Luis Buñuel". Fui y nos hicieron una prueba a cinco muchachos y me dio el papel. Don Luis creía mucho en mí, nunca tuvimos problemas, sabía lo que quería y cuando un director sabe lo que quiere, sabe dirigir. Si no me decía nada era porque estaba bien. Durante la filmación de Los Olvidados, que se estrenó en el antiguo cine México, entre Cuauhtémoc y Álvaro Obregón, me hizo repetir 35 veces una escena. Ya nervioso le pregunté: "¿Por qué tantas veces?, ¿Qué, lo estoy haciendo mal?" "No, es que quiero 35 reacciones para escoger la que más me guste", respondió.”

Javier Amezcua, quien interpretó el personaje de “Julián” recordó en una entrevista concedida al diario El Universal el año pasado cómo fue el casting para la película: “Nos hicieron varias pruebas: fotografía, dicción, memoria. Éramos como mil actores queriendo entrar. Ya que nos escogieron, Buñuel nos mandó a estudiar con el maestro Seki Sano, que tenía su escuela de actuación arriba del cine Chapultepec. Ahí estaban Miroslava, Pedro Infante, Jorge Negrete, Pedro Armendáriz, los hermanos Junco y muchos otros.”

Los Olvidados no es sino una denuncia social y una llamada de atención a todos aquellos que se olvidan de que más allá de su buena vida, existen personas que lo pasan francamente mal. A través del grupo de jovencitos iniciados y curtidos ya en el mundo de la delincuencia, Buñuel muestra a una subclase incapaz de prosperar y salir adelante sin la ayuda de gente que les enseñe donde queda el bien y el mal, algo que a los chicos parece no haberles enseñado nadie. Lo bueno y lo malo conviven en un mismo entorno y son incapaces de diferenciarlo, moralidad no es una palabra que esté en su diccionario. Pero lejos de señalar con el dedo a los protagonistas de su historia, Buñuel nos los presenta con cariño, dejándonos entrever que si son así es porque para ellos es una forma de vida y no porque sean mala gente. El director no juzga a los personajes, pero si denuncia las situaciones.

En una entrevista dada a la famosa revista “Cahiers du Cinéma”, en París, Buñuel aseguró: “Para mí, Los Olvidados es, efectivamente, un filme de lucha social. Porque me creo simplemente honesto conmigo mismo, yo tenía que hacer una obra de tipo social. Sé que voy en esa dirección”.

En el inicio de la película así se explica: Mientras desfilan panorámicas de Nueva York, París, Londres y al final México DF, una voz en off (de Ernesto Alonso, protagonista de Ensayo de un Crimen, 1955) advierte que se contarán hechos de la vida real, y que la película deja a las fuerzas progresistas de la sociedad la solución del problema expuesto:

“Las grandes ciudades modernas, Nueva York, París, Londres, esconden tras de sus magníficos edificios hogares de miseria que albergan niños mal nutridos, sin higiene, sin escuela, semilleros de futuros delincuentes. La sociedad trata de corregir este mal, pero el éxito de sus esfuerzos es muy limitado. Solo en un futuro próximo podrán ser reivindicados los derechos del niño y del adolescente para que sean útiles a la sociedad. México, la gran ciudad moderna, no es la excepción a esta regla universal. Y por eso esta película basada en hechos de la vida real no es optimista, y deja la solución del problema, a las fuerzas progresistas de la sociedad.”

Su sentido del erotismo está también presente en varios momentos: la leche derramada encima de los muslos de la muchacha, las miradas y diálogos entre la madre de Pedro y Jaibo antes de que se cierre la puerta violentamente, el ciego con la inocente niña en su regazo; son partes de un film que junto a su principal materia, la representación árida de la delincuencia juvenil dentro de un brutal realismo muy bien enfatizado por la magnífica fotografía llena de contrastes de luz del maestro Gabriel Figueroa convierten al film en un fenomenal tratado sociológico lleno de matices que mueve a una profunda reflexión en quien la contempla.

Los Olvidados es, por su temática y por la naturalidad de sus actores, una película engañosamente realista. Filmada durante el apogeo de la corriente neorrealista -que propugnaba por un cine casi documental en el que los actores fuesen gente común y los escenarios fueran reales-. Sin embargo, desde un punto de vista del género, Los Olvidados no sólo es un cinta neorrealista. Es un film que no se limita al realismo más convencional y que recurre a elementos surrealistas y disparatados. En este sentido el sueño que se narra en el film es extraordinario -fantástica representación onírica de las obsesiones del niño- y merece la pena verlo sin más. El tono realista y crudo de la cinta impide introducir demasiados toques buñuelianos, aunque estos siguen apareciendo: el ciego aficionado a las niñitas, la abundancia de gallos y gallinas, fetichismo -mujeres lavándose los pies y las piernas-, el fantasmagórico sueño antes mencionado, el perro como visión que trae la muerte, etc.

En cuanto a las interpretaciones decir que son fantásticas, rebosantes de un naturalismo difícil de ver; Roberto Cobo, el cruel y violento “Jaibo”, Miguel Inclán, el astuto y poco ético ciego. Pero si alguien deslumbra es Alfonso Mejía. Él interpreta a "Pedro", ese inocente ángel cuyo destino se unirá finalmente al de “Jaibo”. Su mirada es prodigiosa y la sinceridad e inocencia de sus palabras terminan componiendo un personaje difícil de olvidar. Buñuel describe con cariño a ese niño de buen corazón, incomprendido por su madre e inmerso en el consubstancial y casi natural clima de criminalidad que lo acordona.

En el apartado técnico, Buñuel no deja indiferente a nadie, pues su narración continuada y sin transiciones hacen de este aragonés un gran contador de historias que mantiene en vilo y tensión al espectador en todas y casa una de las escenas presentadas. Un uso tal del lenguaje cinematográfico es evidente, como cuando “El Jaibo” le pregunta a la madre de Pedro por su esposo y ella le dice que “murió hace cinco años” mientras se interpone el plano de su más reciente hija de apenas unos cuantos meses, dando a entender la naturaleza de la mujer. Y por lo tanto, justificada totalmente dentro del relato el encuentro de ambos mostrado de forma muy certera al contemplar sus miradas y el respectivo cierre de la puerta, claro, inducido tal vez más por la censura de la época pero que no deja caer la inteligencia con la que fue tratada. Y de estas muchas imágenes y escenas más, como la rebeldía de los niños en el carrusel, el diálogo entre el ministerial y la mamá de Pedro que le indaga sobre su conducta a su hijo o la magistral escena sin diálogo del pederasta casi por llevare a Pedro, demuestra la genialidad absoluta de este cineasta pocas veces vistos en la historia del arte.

El rodaje duró 21 días. Pero los reparos a Los Olvidados se presentaron antes de la filmación y con posterioridad a ella; y vinieron lo mismo del lado de las autoridades que de los intelectuales o de los trabajadores más modestos. Oscar Dancigers, el productor del filme, se opuso a que se incluyeran en él ciertos detalles irracionales, consiente de que era un proyecto de difícil comercialización, pero finalmente dio todo su apoyo para que se concluyera de una manera satisfactoria para su realizador.

“La película fue rodada en 21 días. Como en todas mis películas, terminé en el tiempo previsto. Por el guión y dirección cobré dos mil dólares en total. Y nunca he percibido el menor porcentaje.” (Luis Buñuel)

En la entrevista a “Cahiers du Cinéma”, Buñuel apunta que “Los Olvidados fue un filme relativamente libre”. Si acaso lamentó algo, fue que “evidentemente Dancigers me pidió que quitase muchas cosas que tenían un interés únicamente simbólico, pero me dejó cierta libertad”. Respecto a las escenas simbólicas que nunca filmó, Buñuel describió un ejemplo: “Cuando El Jaibo va a pegar y matar al otro chico, en el movimiento de la cámara se ve a lo lejos la mole de un gran edificio de 11 pisos en construcción, donde yo hubiera querido poner una orquesta de cien músicos. Se les hubiera visto de pasada, confusamente. Yo quería poner muchos elementos de ese género, pero me lo prohibieron en absoluto”. Aquella mole de la que habla son los esqueletos de los multifamiliares de Tlatelolco que han sido interpretados como una escenografía perturbadora para el asesinato.

Jorge Negrete, “charro cantor” del cine nacional y a la vez líder del sindicato de actores por aquel entonces, se manifestó en contra de la filmación de la película, y algunos técnicos y colaboradores de Buñuel abandonaron el proyecto sobre la marcha: “De todos modos, el equipo entero, aunque trabajando muy seriamente, manifestaba su hostilidad hacia la película. Un técnico me preguntaba, por ejemplo: "Pero, ¿por qué no hace usted una verdadera película mexicana, en lugar de una película miserable como ésa?". Pedro de Urdimalas, un escritor que me había ayudado a introducir expresiones mexicanas en la película, se negó a poner su nombre en los títulos de crédito.” (Luis Buñuel)

“La peinadora se ofendió cuando Pedrito llegaba a la casa con hambre y su madre le negaba la comida –recuerda Buñuel-: ‘Eso, en México, ninguna madre se lo dice a su hijo. Es denigrante, no quiero hacer esta película’. Se fue del estudio y presentó su dimisión.” En una exhibición privada a la que asistieron, entre otras personalidades el pintor David Alfaro Siqueiros; Lupe Marín, esposa de Diego Rivera; el poeta español León Felipe y su mujer mexicana, Bertha, provocó reacciones encontradas: Lupe y Bertha se ofendieron por la cinta, reclamándole la segunda de ellas: “Es usted un miserable. Ofende usted a todo el mundo. Lo que muestra esta película no es México”; en cambio, Siqueiros le dijo al cineasta: “Muy bien, Buñuel. Deje usted a las viejas decir lo que quieran y siga usted haciendo cine”.

Al ver el primer corte, Oscar Dancigers pidió a Luis Buñuel rodar un segundo final que mitigaba la dureza del primero. Un final feliz donde “Pedro” mataba a “El Jaibo” y volvía a la escuela correccional para reformarse, representaba, en suma, un triunfo de la confianza pedagógica depositada por el maestro. Por lo visto, este final se rodó con la razón de sustituir al verdadero en caso de que no gustase al público. Los motivos para filmarlo son claros. Miedo a la censura y al rechazo de un público acostumbrado al melodrama arrabalero de los hermanos Rodríguez o cuando mucho a la tragedia cabaretera de la aventurera castigada por el destino.

Sin embargo este final no fue el que finalmente presentó el director en el estreno de la película, ocurrido el 9 de diciembre de 1950 en el (antiguo) cine Mariscala, que estaba frente al Teatro Blanquita, en la ciudad de México. El evento suscitó violentas reacciones, y se pidió desde diversas instancias mediáticas la expulsión del cineasta del país. Los Olvidados fracasó en su estreno comercial en la capital mexicana y a los cuatro días fue retirada de los cines sin que faltaran intentos de agresión física contra Buñuel. Los críticos afirmaban que lo mostrado en la película no era la realidad del país. El director se defendió afirmando que lo que sale en la cinta sí existía (estuvo unos meses visitando y empapándose de esos barrios, consultó casos en los archivos del Tribunal de Menores). Por tanto trató de dar una visión realista, usando para ello algunos actores no profesionales (la mayoría de los personajes son actores pero otros son campesinos, gente sacada de una granja-escuela etc.), reflejando sus sensaciones sobre lo que le rodeaba y tratando una importante problemática social.

Afortunadamente, algunos intelectuales salieron en su defensa, y la decisión de enviar Los Olvidados al Festival Internacional de Cine de Cannes, representando a México en 1951, fue promovida por el Director de Cinematografía, que la veía con buenos ojos; aunque el embajador de México en Francia, el poeta Jaime Torres Bodet, la abominaba. Quien tomo a su cargo la promoción de la película en el Festival fue el secretario de Torres Bodet, el futuro ganador del Nobel (1999), Octavio Paz, que en esa época hacía sus pininos como el excelente animador cultural que también fue. Octavio conocía ya el filme por haberlo visto en una exhibición privada, junto con André Breton y otros amigos; y como en Francia la embajada mexicana no preparó ningún tipo de promoción hacia la película ni hacia la figura de Buñuel, el propio Octavio hecho mano de sus amistades que la recomendaron de boca en boca y tanto en presentaciones como en artículos de prensa se dedicaron a hacer de Los Olvidados la “gran película del Festival”.

A los surrealistas (André Breton, Jacques Prevert, Ado Kyrou) y otros intelectuales (Marc Chagall, Jean Cocteau) la película les gustó; no así al crítico cinematográfico y prominente intelectual comunista Georges Sadoul, quien cuando tuvo oportunidad comentó a Buñuel: “No te imaginas lo mal que me hace sentir tu película, porque es de ideología burguesa. En ella demuestras que un profesor burgués y un estado burgués son muy humanos, porque regeneran a los niños. Presentas a la policía como algo útil en una escena en que el gendarme impide que un pederasta se lleve al niño. Lo lamentamos: esto nos entristece. Nos parece una película a favor de la moral burguesa”.

En una carta dirigida a Buñuel el 11 de abril de 1951 desde el Festival, Paz explicaba: “…Ayer presentamos Los Olvidados. Creo que la batalla con el público y la crítica la hemos ganado. Mejor dicho, la ha ganado su película. No sé si el Jurado le otorgará el Gran Premio. Lo que si es indudable es que todo el mundo consideraba que -por lo menos hasta ahora- Los Olvidados es la mejor película exhibida en el Festival. Así, tenemos seguro (con, naturalmente, las reservas, sorpresas y combinaciones de última hora) un premio. […] Ayer el teatro estaba lleno como en sus grandes días. Algo iba a pasar. Distribuimos a nuestros amigos estratégicamente. Pero no hubo batalla. Su película fue aclamada, aunque -claro está- parece que hay incomprensiones: los refinados, algún grupo comunista (esto último no lo puedo asegurar, aunque me dicen que Sadoul encontró el film demasiado negativo e inutilizable). El público aplaudió varios fragmentos: el del sueño, la escena erótica entre el Jaibo y la madre, la del pederasta y Pedro, el diálogo entre Pedro y su madre, etc. Al final, grandes aplausos. Pero sobre todo, una profunda, hermosa emoción. Salimos, como se dice en español, con la garganta seca. Hubo un momento -cuando el Jaibo quiere sacarle los ojos a Pedro- que algunos sisearon. Fueron callados por los aplausos…”

Los Olvidados fue uno de los 36 filmes contendientes a la Palma de Oro del Festival como Mejor Película, compitiendo con otra cinta mexicana: Doña Diabla (Tito Davison, 1950), que era la favorita de la crítica nacional, además de representantes extranjeras de calidad equitativa, como las cintas americanas The Tales of Hoffmann (Michael Powell, Emeric Pressburger, 1951), A Place in the Sun (George Stevens, 1951), All About Eve (Joseph L. Mankiewicz, 1950) y la inglesa The Browning Version (Anthony Asquith, 1951), resultando ganadoras en empate la francesa Fröken Julie (Alf Sjöberg, 1951) y la italiana Milagro en Milán (Miracolo a Milano, Vittorio de Sica, 1951).

El Premio especial del Jurado fue para Eva al Desnudo, o también llamada La Malvada (All About Eve), de Mankiewicz, que le reportó la presea de Mejor Actriz a Bette Davis. Y en el rubro de Mejor Director, resultó galardonado Luis Buñuel por su controvertida película mexicana.

El triunfo de Los Olvidados en Cannes impidió trastocar el sentido del filme agregándole el final alternativo, con lo que se habría mutilado una obra maestra. De ese final filmado pero nunca estrenado no se sabría nada hasta hace algunos años, cuando en 2001 en la filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México se produjo por accidente un extraño descubrimiento. Iván Trujillo, Director General de la Filmoteca, refiere así ese hallazgo en una entrevista realizada al Instituto Cervantes de España:

“En México se iba a presentar una exposición importante sobre Luis Buñuel, realizada con anterioridad en el Museo Reina Sofía de Madrid y en Bonn. Se pensaba disponer una galería complementaria; de ahí que se organizara una sala especial sobre Los Olvidados. Se decidió ampliar los fotogramas originales y, por ello, nos pidieron que les proporcionáramos las imágenes de varios rollos, especialmente del último donde obviamente se encontraba el desenlace de la película. Los técnicos estaban buscando ese rollo en la Filmoteca. A uno de ellos se le dijo que lo trajera, refiriéndose al último, al octavo. Ese técnico, de manera un tanto ingenua avisó que no comprendía por qué había nueve: en ese noveno decían que estaba el segundo final de la película. Casualmente yo entré al taller donde sucedía esto, mientras el técnico estaba comprobando que, en efecto, la película tenía otro final. Me acompañaba una reportera de la televisión y al enterarse de esa discusión, me incluyó en el reportaje. Le pedí que no lo emitiera, pero esa misma noche se emitió en la televisión en un noticiero cultural. Yo pensaba que ese programa no tenía audiencia, pero al día siguiente apareció en un periódico.

De allí pasó a diferentes lugares. El periódico inmediatamente se puso en contacto con Jaibo, el actor principal de la película y él negó que se hubiera hecho otro final. Pero finalmente tuvimos que dar a conocer ese segundo final. Se trataba de un final ligero, que, después de varias conjeturas y comprobaciones, puede asegurarse que el productor Oscar Dancigers pidió a Buñuel que se rodara. Se pensó que la película podría considerarse muy dura —como de hecho lo es—, y que podría sufrir alguna censura. Porque hay que reconocer que el primer final muestra crudamente la muerte del niño a manos de Jaibo, cuando ese niño ha dejado el correccional al que supuestamente pensaba regresar, mientras que en el segundo el niño mata a Jaibo. Esto obligaba a que desapareciera la escena onírica, cuando Jaibo está muriendo, y a que el niño regresara a la escuela correccional. Ahora bien, dada su profesionalidad —y aunque Los Olvidados es una película de muchas referencias y con una posición de autor muy importante— no considero que Buñuel tuviera demasiadas objeciones en filmar ese final. Por otra parte, creo que una vez que la película ganó en el Festival de Cannes ya no había manera de sustituir ese final por el primero ni siquiera ante la eventualidad de su prohibición.”

En 2010 se encontró también en la filmoteca de la UNAM un tráiler (avance) de la cinta que contiene escenas que no aparecen en la versión final. “El material demuestra el buen criterio que tuvo el español Buñuel al editar, ya que muchas de las escenas no están bien realizadas o son de baja calidad”, dijo Francisco Gaytán subdirector de rescate y restauración de la Filmoteca. También se incluye en el trailer el final alternativo que filmó Buñuel, descubierto recientemente y calificado como un posible "final feliz", que tampoco formó parte del largometraje. Una de las escenas del avance que no está en la cinta, es cuando tiran un muñeco que representa el cuerpo de “El Jaibo” al basurero y prácticamente vuela por los aires. "La escena digamos real, la que el público vio es absolutamente genial, es muy impactante. En este 'trailer' se ve que tiran un muñeco y es muy obvio... no se ve rodar el cuerpo que es una opción mucho mejor", relató Gaytán.

El galardón conseguido en Cannes logró que la película, que había sido estrenada en México en un clima hostil, fuera reestrenada y no sólo alcanzara el reconocimiento del público sino también el de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, que le otorgó ese año once estatuillas Ariel, entre ellas las correspondientes a Mejor Película, Dirección, Fotografía, Argumento Original, Adaptación, Sonido, Edición, Escenografía, Co-actuación Femenina (Estela Inda), Actuación Juvenil (Roberto Cobo) y Actuación Infantil (Alfonso Mejía). De sus 13 nominaciones solo perdió dos premios, Mejor Música de Fondo y otra mención por Actuación Infantil de Alma Delia Fuentes. En la categoría principal Los Olvidados competía con Doña Diabla (Tito Davison) y Otra Primavera (Alfredo B. Crevenna). En 1953 la cinta fue nominada al premio británico BAFTA, como Mejor Filme.

“Tras el éxito europeo, me vi absuelto del lado mexicano. Cesaron los insultos, y la película se reestrenó en una buena sala de México, donde permaneció dos meses.” (Luis Buñuel)

En su carrera comercial en Estados Unidos, Los Olvidados también recibió críticas divididas. Mientras unos la ensalzaban otros la repudiaban por su crudeza. El New York Times publicaba la crítica del periodista Bosley Crowther sobre la película el 25 de marzo de 1952: “Los Olvidados se nos presenta como un retrato brutal e implacable de la criminalidad juvenil en los barrios bajos de la ciudad de México […] A pesar de estar realizada con un realismo meticuloso y con una incuestionable fidelidad a los hechos, sus cualidades como entretenimiento dramático —o incluso como reportaje social— son casi nulas.”

La cinta de Buñuel es, por otra parte, una de las aportaciones más importantes que ha dado Latinoamérica al cine mundial. El film explora una realidad que el paso del tiempo ha agravado con la difusión del consumo de drogas, por lo que la propuesta de Buñuel mantiene su vigencia y actualidad.

En 2003 Los Olvidados se convierte, junto a la cinta alemana de ciencia ficción Metrópolis (Fritz Lang, 1927) en una de las dos piezas del séptimo arte que han recibido la consideración del Programa Memoria del Mundo por la UNESCO, una iniciativa internacional propulsada y coordinada por la UNESCO desde 1992 con el fin de procurar la preservación y el acceso del patrimonio histórico documental de mayor relevancia para los pueblos del mundo, así como también promocionar el interés por su conservación entre los estados miembros.

Joie Springer, responsable de archivos audiovisuales del Programa Memoria del Mundo, expresó al Comité Mexicano encargado de la propuesta, que esta cumplía con todos los requisitos para ser inscrita en el programa; entre éstos, que la película, además de su calidad cinematográfica, constituye un documento de valor social inestimable para el país que representa, comentó Rosa María Fernández de Zamora. La cinta fue elegida en nuestro país, de entre varios títulos del cine mexicano como la trilogía Nosotros los Pobres, Ustedes los Ricos y Pepe el Toro de Ismael Rodríguez y Redes de Emilio Gómez Muriel y Fred Zinnemann. Fue así como el Comité Consultivo Internacional decidió honrar a Los Olvidados que superó a la película El Mago de Oz (The Wizard of Oz) dirigida por Víctor Fleming en 1939, propuesta por los Estados Unidos. Las instituciones extrajeras que apoyaron la nominación de Los Olvidados fueron la Cinemateca de Argentina, la Filmoteca de España, la Filmoteca de Berlín, el Archivo Fílmico de París, la Cinemateca de Quebec y la Cinemateca Nacional de Italia.

En la lista de las 100 Mejores Películas del Cine Mexicano, hay 7 cintas dirigidas por Luis Buñuel. El lugar número 2 lo ocupa Los Olvidados, protagonizada por Alfonso Mejía como “Pedro”, mismo que todavía vive, aunque se encuentra retirado de la actuación, y por el excelente actor Roberto Cobo como “El Jaibo”, fallecido en 2002. Con Los Olvidados iniciaba la gran atención internacional por el trabajo fílmico de Buñuel. Y Cobo, apodado “Calambres” por su famoso personaje cómico en el teatro de revista, volvió a trabajar con el director en Subida al Cielo (1952), y años después tendría actuaciones memorables con papeles de reparto en Viento Negro (Servando González, 1965), El Águila Descalza (Alfonso Araú, 1971), Pedro Páramo (José Bolaños, 1978), Nocaut (José Luis García Agraz, 1984), Cabeza de Vaca (Nicolás Echevarría, 1991), Dulces Compañías (Óscar Blancarte, 1996) y El Agujero (Beto Gómez, 1997), entre otras. Pero quizá su segundo personaje más recordado fue interpretando a “La Manuela” en El Lugar sin Límites (Arturo Ripstein, 1977), película que ocupa el lugar número 9 en la lista antes mencionada, significando la comprobación del talento del director que había sido el asistente de Buñuel en El Ángel Exterminador (1962).

“Cuando terminé Los Olvidados el 10 de Marzo de 1950, no sabía lo que había hecho, porque al día siguiente nació "Calambres" en el teatro Lírico. Me olvidé. Luego se estrenó en 1952 y no pasó nada hasta que regresó la película del Festival de Cannes, Francia, con todos los premios y las palmas de oro que le dieron a Buñuel, que entonces estaba vetado en España por cuestiones políticas", relató Cobo en una de sus tantas entrevistas.

En otra explicaba: "A las cinco semanas, luego de terminar la filmación en Nonoalco y la Plaza de la Romita, le dije a don Luis si ya me podía cortar el pelo; me respondió que sí y me fui al Teatro Lírico a buscar otra vez mi lugar de bailarín de conjunto. Fue cuando sustituí a Resortes. ¡Fue un éxito de locura! Al otro día amaneció la ciudad llena de carteles que anunciaban al ¡Calambres! Nunca hubo rivalidad con él, al contrario, le tengo agradecimiento porque si no se hubiera enfermado, ¿cómo lo sustituía?".

Cuando se le preguntó a Cobo, que fue elegido para el papel de “El Jaibo” por su parecido con Salvador Dalí, gran amigo de Buñuel, sobre el hecho de que su nombre siempre fuera relacionado con dos de sus personajes cinematográficos, esto contestó: “Se los agradezco, pero mi futuro no es ése, es mi pasado y lo llevo en el corazón, como lo lleva la gente. Lo bonito es que me relacionen con dos personajes tan diferentes como El Jaibo, un delincuente juvenil, y La Manuela, un pobre homosexual. También la he hecho de teporocho; me ha tocado interpretar toda clase de personajes y me ha gustado porque todos han significado lo mismo. ¡Agarro parejo!” Y en alguna otra entrevista concedida a un programa de televisión, expresaba con qué directores le había gustado trabajar: “Como Buñuel, que dirigía con el corazón, como Plancarte, que también lo hace así. Y así espero que todavía sean todos mis directores. Y te advierto una cosa con mi sentido del humor: Director que me dirige, director que hago famoso…”

Beautiful Wonder Boys: la galería de Anthony Gayton (Parte II)

2011-11-01T12:22:00.021-06:00

No cabe duda que Anthony Gayton se ha convertido en uno de los autores mas reconocidos del arte homoerótico actual. Muestra una predilección especial por relatos que pueden ser contados con palabras y luego interpretados con imágenes fotográficas. A veces Gayton tarda meses o incluso años en llevar a cabo la investigación, la elaboración de los textos y los esbozos, y la visualización de la historia final ante la cámara. En sus últimas narrativas, más cortas en extensión e improvisadas en su contenido, cobijan un espíritu ameno, indulgente y mórbido a la vez, que encuentra su inspiración en referencias tan diversas como la memorabilia, la fotografía victoriana del siglo XIX, los prodigios del vodevil y el porno.

All images are the property of Anthony Gayton official site:
http://www.anthonygayton.com/

“…Vivo en Viena, donde fui durante 13 años el asistente del fotógrafo Andreas H. Bitesnich. Allí aprendí todo lo que me serviría a nivel técnico, y teniendo acceso a instalaciones y equipo pude prácticamente trabajar mucho por mi cuenta. Ciertamente no puedo imaginar vivir en ningún otro lugar por ahora...”

Como maestro en la manipulación de la puesta en escena, Gayton logra todos los efectos estéticos, tipológicos o estilísticos que desea ante la cámara e incluso después, en el momento del retoque. Asimismo, explora sin cesar todas las posibilidades de relatar una historia no sólo con la ayuda de imágenes sino también, como en “Angelus” y “Falling Awake”, con la ayuda de imaginativos cuentos escritos. Mientras la serie “The Martyrs” destapa las facetas homoeróticas del simbolismo religioso, “The Harem” negocia el deseo por el hombre perfecto, revisando la iconografía ignorada de los secretos harenes masculinos de Asia Central. “Ladslove” parte de un diálogo entre las nociones del arquetipo uranio británico de idolatría y el profesor platónico para llegar a desvelar una serie de relaciones ocultas. Por su lado, “Dead” da un giro inesperado, desplazándose lejos de la presunta veracidad de la muerte documentada para acabar mostrando el cuerpo en su objetificación absoluta. De un modo similar, en “Beautiful Freaks” -una serie de imágenes de seres anormales tanto a nivel mental como físico extraída supuestamente de un libro de medicina-, el paso de la belleza a la aberración atestigua todas las etiquetas de identidad y las denominaciones sociales de una naturaleza restrictiva que operan incluso dentro de la comunidad gay. Distintas en su estilo e inspiradas en la experiencia homoerótica contemporánea, series como “Boys will be Boys”, “Behold the Man”, “Spielen”, “Mid Life Crisis” y “Child’s Play” cobran sentido vistas en un contexto de contemporaneidad expuesto mediante las estéticas del pin-up y del porno.

“…En la Universidad de Londres, nos enseñaron la veracidad de la fotografía, y se consideraba nuestro deber retratar el mundo que nos rodea, exactamente como lo encontramos. Cualquier forma de manipulación de imágenes era vista con extrema desaprobación, y el reino mareado y superficial de la fotografía de moda, se consideraba el último pecado; ésta representaba el triunfo del estilo sobre el significado. Viniendo de la escuela de arte, esta actitud puritana me pareció no sólo preocupantemente conformista, sino absurdamente ingenua. Para mí, la belleza de la fotografía se encontraba exactamente en su capacidad de sorprender y, contradiciéndose a si misma, desafiar las percepciones de lo real e inventar nuevas verdades o decir mentiras convincentes…”

“A comparación del cuerpo femenino, el cuerpo masculino ideal se ha mantenido bastante estable durante siglos. Lo que ha cambiado es que los hombres se comparan a este ideal, cosa que una vez fue sólo de mujeres. Se puede decir que juventud, belleza (y celebridad) son la nueva religión, y si nos fijamos en el trabajo de muchos artistas gays modernos, esta obsesión hacia la perfección estética es más predominante. Ciertamente, sería ingenuo decir que no funciona con modelos bellisimos, pero yo siempre hago un o intento de que la belleza esté vinculada a la expresión y no crear nunca fotografías relacionadas a la perfección del cuerpo masculino.”

(¿Qué hace que un cuerpo masculino sea sexy?) “Para mí, un pecho fuerte o velludo, pequeño o grande, unos abdominales esculpidos o relajados pueden ser hermosos, pero es la personalidad que lo hace un cuerpo sexy. En mi experiencia personal los chicos más sexys no son los que tienen el cuerpo perfectamente esculpido, sino quienes estaban mejor con ellos mismos y con sus cuerpos aunque fueran imperfectos.”

La obra de Anthony apela una respuesta sensorial, intelectual y emocional por parte del espectador, sus imágenes nos invitan sin miedo a aceptar el reto de superar las barreras del lenguaje, liberándolas de las limitaciones de las palabras.

En la Opinión de...

2011-10-29T19:49:00.008-05:00

ROSITA QUINTANA
-actriz, cantante, compositora-
(1925, Buenos Aires, Argentina)

Sobre su participación en Susana (Carne y Demonio) (Luis Buñuel, 1951):

"No quería interpretar el personaje. Era exclusiva de la compañía (Internacional Cinematográfica) y no pude negarme. […] No quería interpretarla porque no sentía dar el tipo sensual y salvaje; me cohibía encarnar a una mujer liviana. Por mi parte, también la caractericé de manera liviana. Quizá acerté en eso, porque ella no profundizaba, vivía el momento y nada más. Pero fue lindo trabajar con Buñuel y Fernando Soler. En su exhibición la cinta pasó como obra menor del llamado Genio Aragonés, pero conforme transcurría el tiempo despertó el interés de personas dedicadas a buscarle significado a su trabajo...

...Poco a poco me convencieron, sobre todo cuando veía la cara de Luis cuando me dirigía con ternura, con infinita aprobación. Nunca me marcó nada, excepto una escena: se trató de algo técnico, era un big close up donde me abrazaba Víctor Manuel Mendoza y tenía que bajar lentamente mis ojitos, y resulta que yo lo hacía muy rápido. Eso es todo lo que recuerdo que me haya marcado. Vi que a otros sí les daba instrucciones. Para mí fue gratificante haber actuado en esta cinta en cuanto a relación actriz-director. Buñuel era un hombre querible, admirable, con una ternura infinita.

…Hoy, cuando ven la película, me preguntan: ¿por qué eran tan mala? Les digo entonces: usted no la entendió; se trata de una mujer que busca protección, es puramente salvaje y, si puede tener al padre… ¿por qué va a tener al capataz? Eso cualquier mujer lo sabe, aunque no sepa leer ni escribir.”

Fuente: Revista SOMOS, Núm. 209

Beautiful Wonder Boys: la galería de Anthony Gayton

2011-10-22T16:53:00.031-05:00

Anthony Gayton es uno de esos fotógrafos clave del homoerotismo actual gracias a su estudio del cuerpo masculino a lo largo de la historia. Su estilo se caracteriza por la ensalzación de la anatomía masculina, claramente influenciado por la exuberancia de la pintura barroca y el cromatismo renacentista. Aunque Gayton también incluye en sus colecciones múltiples referencias religiosas, prerrafaelistas, cinematográficas o surrealistas.

All images are the property of Anthony Gayton official site:
http://www.anthonygayton.com/

Anthony nació en Devon, Inglaterra, en 1968. A los 19 empezó un curso de fotografía y a los 20 se mudó a Londres para continuar sus estudios en la Universidad de Westminster, obteniendo su diploma en 1990, año en que también empezó a exponer su trabajo fotográfico en exposiciones colectivas en galerías londinenses. Tenía 22 años.

“Crecí en un pequeño lugar de Inglaterra, así que no empecé a salir hasta que llegué a Londres a estudiar fotografía a principios de los 90. Este fue el primer paso, aunque discreto. Con un apellido como Gayton la gente me trataba como si fuera gay declarado, era una curiosa coincidencia”.

“Hasta entonces, sólo quería ser fotógrafo de modas. En la Universidad empecé a incorporar elementos del mito, la leyenda y de la historia del arte en mi trabajo, creando híbridos. Desde entonces, me encanta esta mezcla de la moda fusionándose con una historia, real o inventada. Fue entonces, durante la Universidad, que cree "El Angelus", un cuento de una niña que crea el hombre perfecto, que se convierte en una bestia y se enamora de su hermano.”

“Mi mayor problema en esos días fue obviamente el dinero… Después de terminar el colegio, tardé 8 años para estar en condiciones de trabajar. En 2005 “El Angelus” por fin vio la luz de la forma que quería. Y aunque helo allí y tomó todo un año de trabajo.”

En 1993 Anthony se instala en Viena y al poco tiempo comienza a trabajar como ayudante del fotógrafo austriaco Andreas H. Bitesnich, artista especializado en retratos y desnudos. En 1998 retoma su vieja pasión: la fotografía erótica homosexual. Tras trabajar en París y Londres, y publicar su trabajo en varias revistas, expone por primera vez en Viena en 2001. El éxito de la misma le lleva a poder publicar en revistas como Gay Times, Bleu o Playgirl, y a partir de 2007 Gayton abandona el estudio de Bitesnich e inicia su carrera en solitario, pero consiguiendo un estilo único, soberbio, altamente erótico pero al mismo tiempo delicado y preciosista que le ha valido el reconocimiento internacional.

Desde entonces no ha parado de trabajar en editoriales y en exponer en las más importantes galerías internacionales. Sus trabajos han sido presentados en las principales ciudades europeas y colabora con las revistas internacionales Squeeze y Blue Muse, por ello se le considera una de las figuras claves en la fotografía homoerótica contemporánea.

Entre los artistas que Anthony cita como influencias más directas aparecen el pintor Stanley Spencer y el fotógrafo de celebridades Cecil Beaton, que de hecho fueron quienes le indujeron a dedicarse al arte. También clásicos como Caravaggio o el polifacético Jean Cocteau, para quienes la obra de Gayton pretende ser un homenaje. Sin embargo, Anthony no deja de citar la iconografía gay entre sus influencias, o incluso el porno. Uno de sus máximos referentes es Jean Genet, autor de Querelle de Brest, una de las mayores novelas de culto gay de la historia.

De toda su obra, quizá la más popular sea el libro "Sinners and Saints", que ha recorrido medio mundo y por supuesto ha llegado a librerías especializadas. Este libro vio la luz en junio de 2005 y recopilaba algunas de las obras que Anthony Gayton había realizado durante los 6 años anteriores. Esta obra recoge a la perfección la filosofía de Anthony: Mitos del mundo gay reinterpretados por los modelos por él escogidos, con un toque a lo Pierre et Gilles, con quien le han comparado muchas veces, y a menudo por su inclinación a los íconos religiosos que añade dosis de morbo por doquier. Mas adelante presentó su serie "Mirror Mirror", inspirada en el modelo Michael Reiter.

Muchas de las obras fotográficas de Gayton están retocadas digitalmente y se inspiran en mitos, personajes religiosos o profanos, pero siempre la belleza masculina está representada con connotaciones eróticas. Así, ha reinterpretado obras pictóricas de Andrea Mantegna o Caravaggio, mitos homoeróticos como Ganimedes, Ícaro o Narciso o personajes como San Sebastián, al que los pintores han utilizado tradicionalmente como modelo de belleza masculina y que claramente se ha convertido en el icono religioso de la comunidad gay.

“Nunca quise representar la vida gay contemporánea, y resultaría falsa si trató de hacerlo. Estoy más preocupado por encontrar una estética romántica personal. Por lo tanto, mi trabajo refleja mi pasión por la historia y la historia homosexual en particular. Mi libro “Sinners and Saint” […] es una completa colección de iconografía a través de los tiempos y estilísticamente muy diversa. Mito y religión por supuesto son los protagonistas, como poderosas expresiones de deseo y la naturaleza de nuestra existencia.”

“Lo importante para mí era la conexión de este imaginario y el elemento homosexual. No pretendo con esto el elemento homoerótico (el hombre desnudo o medio desnudo), sino la relación histórica con la identidad homosexual, ver el sufrimiento de San Sebastián, el maldito vuelo hacia la libertad de Ícaro o la escandalosa masculinidad en la era del Beefcake (entre 1950 -60) cuando los hombres gay fueron considerados afeminados y débiles.”

“En nuestra época “sin Dios”, como dice el Papa, la religión cristiana es vista desde un punto de vista histórico y político y, a continuación, juzgada de acuerdo a estos parámetros. No puedo hablar por otros artistas, pero yo utilizo imágenes religiosas para resaltar aspectos muy diferentes de lo divino. Mi elección de un sacerdote en la serie "Virtudes Celestiales" (Heavenly Virtues) fue con el propósito de subrayar que el poder del amor está más allá de todo, incluso más que el amor de Dios.”

Continuará...